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Nouveau SaStr national - Histoire

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Nouveau National
(SwStr : t. 1 000 ; a. 1 12-pdr. r.)

Le New National, un bateau à vapeur à roues latérales en bois, a été saisi par les canonnières de l'Union à Memphis, Tennessee, le 6 juin 1862, après avoir détruit la flotte de défense de la rivière Confederate.

Mis en service en tant que transport, le premier maître AM Grant commandait la flottille occidentale du ministère de la Guerre, le New National a transporté des troupes dans une expédition conjointe à St. Charles, Ark., où ils ont débarqué le 17 juin, ont pris d'assaut les travaux de terrassement du Sud et ont pris le contrôle de la White River pour la flotte de l'Union.

Transféré du ministère de la Guerre à la Marine le 30 septembre 1862, le New National a servi de navire de réception et de bateau de livraison et de ravitaillement pour l'escadron du Mississippi.

Restitué à son propriétaire, Pearson Montgomery, sur intervention du secrétaire au Trésor Chase, le 21 mars 1863, il est simultanément affrété par la Marine et maintenu en service.

Après la chute de Vicksburg, elle participe à l'expédition qui capture Yazoo City, Mississippi, le 13 juillet 1863.

Après avoir entretenu les lignes de communication et d'approvisionnement de l'Union sur le Mississippi et ses affluents jusqu'à la fin de la guerre de Sécession, le New' National a été désarmé à Mound City, dans l'Illinois, le 12 avril 1865 et a été rendu à son propriétaire.


Miss Mississippi pourrait entrer dans l'histoire au concours Miss Univers

Asya Branch pourrait entrer dans l'histoire dimanche en tant que première native du Mississippi à détenir le titre de Miss Univers et première Miss USA à gagner depuis 2012.

Première Miss Mississippi noire et première de l'État à remporter Miss USA, Branch participe au 69e concours Miss Univers, qui se déroule ce week-end au Seminole Hard Rock Hotel & Casino Hollywood à Hollywood, en Floride. Dimanche soir marque le couronnement final après des jours de compétitions de maillots de bain et de robes de soirée.

Branch a été la première représentante du Mississippi à remporter Miss USA et la première femme noire à remporter la couronne Miss Mississippi USA en 2019. Si Branch remporte Miss Univers dimanche, elle serait la première native du Mississippi à détenir le titre et la première Miss USA remporter le concours depuis 2012.

"J'étais tellement honoré d'avoir marqué l'histoire, mais en même temps, je me suis dit:" Wow. nous avons toujours des premières », a déclaré Branch au Clarion Ledger à Jackson, Mississippi.


Contenu

Rajaraja Chola, qui a commandé le temple, l'a appelé Rajarajeshwaram (Rajarājeśwaram), littéralement « le temple du dieu de Rajaraja ». [12] Une inscription ultérieure dans le sanctuaire de Brihannayaki appelle la divinité du temple Periya Udaiya Nayanar, qui semble être la source des noms modernes Brihadisvara et Peruvudaiyar Kovil. [13]

Brihadishwara (IAST : Bṛihádīśvara) est un mot composé sanskrit composé de Brihat qui signifie "grand, grand, élevé, vaste", [14] et Ishvara signifie "seigneur, Shiva, être suprême, suprême atman (âme)". [15] [16] Le nom signifie le "grand seigneur, grand temple de Shiva".

Le temple Brihadeswara est situé dans la ville de Thanjavur, à environ 350 kilomètres (220 mi) au sud-ouest de Chennai. La ville est reliée quotidiennement à d'autres grandes villes par le réseau des chemins de fer indiens, les services de bus du Tamil Nadu et les autoroutes nationales 67, 45C, 226 et 226 Extn. [17] [18] L'aéroport le plus proche avec des services réguliers est l'aéroport international de Tiruchirappalli (IATA : TRZ), à environ 55 kilomètres (34 mi). [19]

La ville et le temple bien qu'à l'intérieur des terres, sont au début du delta de la rivière Cauveri, avec ainsi un accès à la baie du Bengale et à travers elle à l'océan Indien. Avec les temples, le peuple tamoul a réalisé le premier grand réseau d'irrigation au XIe siècle pour l'agriculture, pour la circulation des marchandises et pour contrôler le débit d'eau à travers le centre urbain. [20]

Un éventail de styles de temples hindous a continué à se développer du 5ème au 9ème siècle au cours de l'ère Chalukya comme en témoignent Aihole, Badami et Pattadakal, puis avec l'ère Pallava comme en témoignent Mamallapuram et d'autres monuments. Par la suite, entre 850 et 1280 de notre ère, les Cholas ont émergé comme la dynastie dominante. [2] [21] Au début de la période Chola, l'accent a été mis davantage sur la sécurisation de leurs frontières géopolitiques et moins sur l'architecture. Au 10ème siècle, au sein de l'empire Chola ont émergé des caractéristiques telles que les colonnes aux multiples facettes avec des chapiteaux carrés en saillie. Ceci, déclare George Michell, a marqué le début du nouveau style Chola. [2] [note 1] Ce style de l'Inde du Sud est le plus pleinement réalisé à la fois en échelle et en détail dans le temple de Brihadeshwara construit entre 1003 et 1010 par le roi Chola Rajaraja I. [1] [2]

Agrandissements, rénovations et réparations Modifier

Le temple principal avec ses gopurams date du début du XIe siècle. Le temple a également vu des ajouts, des rénovations et des réparations au cours des 1000 prochaines années. Les raids et les guerres, en particulier entre les sultans musulmans qui contrôlaient Madurai et les rois hindous qui contrôlaient Thanjavur ont causé des dommages. [8] [note 2] Ceux-ci ont été réparés par les dynasties hindoues qui ont repris le contrôle. Dans certains cas, les dirigeants ont tenté de rénover le temple avec des peintures fanées, en commandant de nouvelles peintures murales sur les anciennes. Dans d'autres cas, ils ont parrainé l'ajout de sanctuaires. Les sanctuaires importants de Kartikeya (Murugan), Parvati (Amman) et Nandi datent des 16e et 17e siècles de l'ère Nayaka. [8] [25] De même, le sanctuaire de Dakshinamurti a été construit plus tard. [25] Il a été bien entretenu par les Marathes de Tanjore

Architecture Modifier

Le plan et le développement du temple de Brihadeshvara utilisent les règles de la géométrie axiale et symétrique. [26] Il est classé comme Perunkoil (également appelé Madakkoil), un grand temple construit sur une plate-forme plus élevée d'un monticule naturel ou artificiel. [27] Le complexe du temple est un rectangle qui est presque deux carrés empilés, couvrant 240,79 mètres (790,0 pieds) d'est en ouest et 121,92 mètres (400,0 pieds) du nord au sud. Dans cet espace se trouvent cinq sections principales : le sanctuaire avec l'imposante superstructure (sri vimana), la salle Nandi en face (Nandi-mandapam) et entre celles-ci la salle communautaire principale (mukhamandapam), la grande salle de rassemblement (mahamandapam) et le pavillon qui relie la grande salle au sanctuaire (ardhamandapam). [28]

Le complexe du temple intègre une grande véranda à piliers et couverte (prakara) dans sa cour spacieuse, avec un périmètre d'environ 450 mètres (1 480 pi) pour la circumambulation. À l'extérieur de cette véranda à piliers, il y a deux murs d'enceinte, le mur extérieur étant défensif et ajouté en 1777 CE par les forces coloniales françaises avec des trous de canon avec le temple servant d'arsenal. Ils ont élevé le mur extérieur, isolant la zone du complexe du temple. À son extrémité est se trouve le gopuram principal d'origine ou la passerelle voûtée en berceau. C'est moins de la moitié de la taille du temple principal vimana. Des structures supplémentaires ont été ajoutées au temple d'origine après le XIe siècle, comme un mandapa dans son coin nord-est et des gopurams (passerelles) supplémentaires sur ses périmètres pour permettre aux gens d'entrer et de sortir de plusieurs endroits. [28] [29] Certains des sanctuaires et structures ont été ajoutés pendant l'ère Pandya, Nayaka, Vijayanagara et Maratha, avant le début de l'ère coloniale, et ces constructeurs ont respecté les plans originaux et les règles de symétrie. À l'intérieur de la cour du temple d'origine, avec le sanctuaire principal et Nandi-mandapam se trouvent deux sanctuaires majeurs, l'un pour Kartikeya et pour Parvati. Le complexe possède d'autres sanctuaires plus petits. [28] [30] [31]

Le temple de Brihadisvara a poursuivi les traditions des temples hindous de l'Inde du Sud en adoptant des éléments architecturaux et décoratifs, mais son échelle dépassait largement les temples construits avant le XIe siècle. Les architectes et artisans de l'ère Chola ont innové l'expertise pour agrandir et construire, en particulier avec de la pierre lourde et pour accomplir les 63,4 mètres (208 pieds) de haut. vimana. [30] [28]

Le temple fait face à l'est et était autrefois entouré d'un fossé d'eau. Celui-ci a été rempli. L'enceinte fortifiée fait désormais le tour de ce fossé. Les deux murs ont des passerelles ornées appelées gopurams. Ceux-ci sont fabriqués à partir de pierre et d'entablement d'affichage. Les principales portes d'entrée se trouvent du côté est. Le premier s'appelle le Tiruvasal du Keralantakan, ce qui signifie la « porte sacrée du Keralantakan ». Le mot Keralantakan était le nom de famille du roi Rajaraja qui l'a construit. À environ 100 mètres (330 pieds) en avant se trouve le gopuram de la cour intérieure appelé le Tiruvasal Rajarajan. C'est plus décoré que le Tiruvasal du Keralantakan, comme avec son adhishthanam travail en relief racontant des scènes des Puranas et d'autres textes hindous. [28] Le gopuram oriental intérieur mène à une vaste cour, dans laquelle les sanctuaires sont tous signés aux directions cardinales est-ouest et nord-ouest. Le complexe peut être entré soit sur un axe à travers un gopuram de cinq étages, soit avec un deuxième accès directement à l'immense quadrilatère principal à travers un plus petit gopuram autonome. Le gopuram de l'entrée principale mesure 30 m de haut, plus petit que le vimana. [dix]

Les principaux monuments liés au temple et la grande tour se trouvent au milieu de cette cour. [28] Autour du temple principal dédié à Shiva, se trouvent des sanctuaires plus petits, dont la plupart sont alignés axialement. Ceux-ci sont dédiés à son épouse Parvati, ses fils Subrahmanya et Ganesha, Nandi, Varahi, Karuvur deva (le gourou de Rajaraja Chola), Chandeshvara et Nataraja. [10] Le mandapam Nandi a un taureau assis monolithique faisant face au sanctuaire. Entre eux se trouvent des escaliers menant à un porche à colonnes et à une salle de réunion communautaire, puis un mandapa intérieur se connectant au Pradakshina patha, ou chemin de circumambulation. Le Nandi (taureau) face au mukh-mandapam pèse environ 25 tonnes. [32] Il est fait d'une seule pierre et mesure environ 2 m de haut, 6 m de long et 2,5 m de large. L'image de Nandi est monolithique et est l'une des plus grandes du pays. [33]

Sanctum et le Sri-vimana Modifier

Le sanctuaire est au centre de la place ouest. Il est entouré de murs massifs qui sont divisés en niveaux par des sculptures et des pilastres fortement découpés offrant des baies et des recoins profonds. De chaque côté du sanctuaire se trouve une baie avec iconographie. [34] [26] L'intérieur du sanctuaire abrite une image de la divinité principale, Shiva, sous la forme d'un énorme linga en pierre. Il s'appelle Karuvarai, un mot tamoul qui signifie « chambre de l'utérus ». Cet espace s'appelle garbha griha dans d'autres régions de l'Inde. Seuls les prêtres sont autorisés à entrer dans cette chambre la plus intérieure. [35]

Dans le style Dravida, le sanctuaire prend la forme d'un vimana miniature. Il a la paroi intérieure avec la paroi extérieure créant un chemin autour du sanctuaire pour la circumambulation (pradakshina). L'entrée est très décorée. La chambre intérieure est le sanctum sanctorum, qui abrite le brihad linga. [2]

Le Vimana principal (Shikhara) est une tour massive de 16 étages dont 13 carrés effilés. Il domine le quadrilatère principal. Il se trouve au-dessus d'un carré de 30,18 mètres (99,0 pieds). [34] La tour est minutieusement articulée avec un pilastre, des piliers (une structure surélevée) et des colonnes attachées qui sont placées de manière rythmique couvrant chaque surface du vimana. [36]

Les divinités et les mudras de danse Natya Sastra Modifier

Le temple est dédié à Shiva sous la forme d'un immense linga, sa représentation aniconique abstraite. Il mesure 8,7 m (29 pi) de haut et occupe deux étages du sanctuaire. [3] [9] C'est l'une des plus grandes sculptures monolithiques de linga en Inde. [33]

Sculptures sur le maha-mandapam murs [38]
côté nord côté sud
Bhairava (Shiva) Ganesh
Mahishasuramardini (Durga) Vishnou
Sarasvati Gajalakshmi

Le temple Shaivism célèbre toutes les principales traditions hindoues en incluant les principales divinités de la tradition Vaishnavism et Shaktism dans le grand mandapa du temple principal. La répartition des divinités est généralement symétrique, à l'exception du côté est de l'entrée qui prévoit la porte et le chemin de ronde. En plus des divinités principales, chaque camp prévoit dvarapalas (gardiens), et diverses autres sculptures. Le vestibule a trois sculptures en pierre finement sculptées et des peintures murales. [38] Les murs du sanctuaire du rez-de-chaussée présentent les sculptures suivantes : [38]

  • Mur est : Lingodbhava, Shiva debout, Pashupata-murti, plus deux dvarapalas flanquant le chemin de ardha-mandapam
  • Mur sud : Bhikshatana, Virabhadra, Dakshinamurti, Kalantaka, Nataraja [note 3] plus deux dvarapalas
  • Mur ouest : Harihara (moitié Shiva, moitié Vishnu), Lingodbhava, Chandrashekhara sans prabhavali, Chandrashekhara avec prabhavali, plus deux dvarapalas
  • Mur nord : Ardhanarishvara (moitié Shiva, moitié Parvati), Gangadhara sans Parvati, Pashupata-murti, Shiva-alingana-murti, plus deux dvarapalas

Au deuxième étage, la forme Tripurantaka de Shiva dans différentes postures est représentée correspondant à ces sculptures. Au-dessus de ces étages, le sri-vimana tours au-dessus de treize étages (talas). Au-dessus de ces étages se trouve un seul bloc carré de poids de granit 80 tonnes, et 7,77 mètres (25,5 pieds) de côté. Au sommet de ce bloc, à ses coins se trouvent des paires de Nandi chacune d'environ 1,98 mètre (6 pi 6 po) sur 1,68 mètre (5 pi 6 po) de dimension. Au-dessus du centre de ce bloc de granit s'élève le griva, les sikhara et le fleuron (stupi) de l'architecture des temples hindous tamouls. Cette stupi mesure 3,81 mètres (12,5 pieds) de hauteur et était à l'origine recouvert d'or (plus maintenant). Les sikhara au sommet est en forme de coupole et pèse 25 tonnes. [38] [39] Chaque étage de cette tour est décoré de kutas et salas. L'architecture de la tour à carrés rétrécis de ce temple diffère de la tour du temple Chola à Gangaikondasolisvaram, car elle est droite contrairement à cette dernière qui est curviligne. La grandeur sri-vimana du temple en a fait un point de repère imposant pour la ville. [38] Le mur du couloir de l'étage supérieur du aditala est sculpté avec 81 des 108 danse karanas – postures de Natya Sastra. Ce texte est la base du Bharathanatyam, la danse classique du Tamil Nadu. Les 27 non représentés karanas sont des blocs de pierre vierges, et on ne sait pas pourquoi ils n'ont pas été sculptés. Les 81 postures sculptées suggèrent l'importance de cette forme de danse indienne classique au début du XIe siècle. [9]

Le garbhagriha est carré et repose sur un socle. Ceci est moulé et de 0,5 mètre (1 pi 8 po) d'épaisseur. Cela consiste en upapitham et adhishthanam, respectivement 140 cm et 360 cm d'épaisseur. [9]

Mandapa Modifier

Les deux mandapa, à savoir maha-mandapa et mukha-mandapa, sont des structures de plan carré alignées axialement entre le sanctuaire et le Nandi mandapa. Les maha-mandapa a six piliers de chaque côté. [40] Cela aussi a des illustrations. Les bronzes Vitankar et Rajaraja I sont ici, mais ceux-ci ont été ajoutés beaucoup plus tard. Les maha-mandapa est flanqué de deux dvarapalas géants en pierre. Il est lié au mukha-mandapa par des escaliers. L'entrée du mukha-mandapa a aussi dvarapalas. Avec le mandapa se trouvent huit petits sanctuaires pour dikpalas, ou divinités gardiennes de chaque direction telles que Agni, Indra, Varuna, Kubera et autres. Ceux-ci ont été installés pendant le règne du roi Chola Rajendra I. [40]

Les inscriptions indiquent que cette zone possédait également d'autres iconographies issues des principales traditions hindoues de l'ère Chola, mais celles-ci sont aujourd'hui manquantes. Les huit sanctuaires originaux comprenaient ceux de Surya (le dieu du soleil), Saptamatrikas (sept mères), Ganesha, Kartikeya, Jyeshtha, Chandra (le dieu de la lune), Chandeshvara et Bhairava. [40] De même, dans la cella du mur ouest se trouvait un Ganesha en granit massif construit à l'époque de Rajaraja I, mais qui se trouve maintenant dans le tiruch-churru-maligai (véranda sud). Des sept mères de la tradition shaktisme, seule Varahi survit sous une forme brisée. Ses restes se trouvent maintenant dans un petit "sanctuaire Varahi" en briques de l'ère moderne du côté sud de la cour. La version originale des autres ainsi que leurs sanctuaires Chola originaux sont manquants. [40]


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La naturopathie est un système de soins de santé avec une histoire profonde de philosophies et de pratiques traditionnelles, de praticiens médicalement formés et d'une large gamme d'options de traitement naturel pour servir les patients.

Histoire de la naturopathie

La naturopathie fait partie de l'Allemagne depuis des siècles. De nombreux principes et philosophies de la naturopathie sont nés en Allemagne et en Europe aux 16 e et 17 e siècles. Les premiers naturopathes "avant les années 1900" du monde entier ont été formés par des médecins européens utilisant l'hydrothérapie, la phytothérapie et d'autres formes traditionnelles de guérison. Actuellement, les pays européens considèrent leur pratique de la naturopathie comme un système de soins de santé qui a évolué en intégrant la médecine traditionnelle de chaque pays aux principes, théories, modalités et traditions naturopathiques codifiés en Amérique du Nord. Les formes traditionnelles d'enseignement et de pratique de la naturopathie sont encore courantes en Europe.

L'Amérique du Nord est considérée comme le berceau de la naturopathie moderne, ou médecine naturopathique. La plupart des écoles nord-américaines sont accréditées par le gouvernement et toutes les régions d'Amérique du Nord travaillent à la réglementation ou à l'obtention d'un permis (avec 50 % des provinces canadiennes et 38 % de tous les États/régions des États-Unis réglementés). Il existe de solides associations nationales et régionales de naturopathie, des recherches en naturopathie en cours et des groupes et revues spécialisés pour soutenir la pratique de la médecine naturopathique. L'Amérique du Nord est créditée d'avoir codifié les principes de la naturopathie et d'avoir contribué à certaines des théories et pratiques établies qui sont maintenant utilisées dans le monde entier.

Tout au long de son histoire, la naturopathie/médecine naturopathique est introduite dans un pays lorsqu'un naturopathe/médecin naturopathe formé en Amérique du Nord ou en Europe déménage et emporte ses compétences avec lui. Il existe une synthèse de la formation européenne ou nord-américaine avec les systèmes de médecine traditionnelle de leur pays. Par exemple, la naturopathie a été introduite en Inde après qu'un médecin a été formé par des naturopathes en Europe. Deux des répondants d'Asie du Sud-Est ont indiqué qu'ils avaient été formés à l'origine aux États-Unis.

La Fédération mondiale de naturopathie mène actuellement un projet de recherche pour clarifier et codifier les racines historiques de la naturopathie à travers le monde.

Principes de la naturopathie

Bien qu'il y ait eu historiquement de larges discussions sur les principes et la pratique de la médecine naturopathique, il n'y a eu aucun processus de codification formel jusqu'en 1986, lorsque l'American Association of Naturopathic Physicians (AANP) a formé un comité composé des docteurs en naturopathie Pamela Snider, Jared Zeff et d'autres. . Ces praticiens ont passé plus de trois ans à examiner les données et documents historiques et à interviewer plus de 1 000 personnes. En 1989, une définition de la médecine naturopathique et la description des six principes naturopathiques ont été formellement codifiées et acceptées par les deux associations nationales de naturopathie nord-américaines (American Association of Naturopathic Physicians (AANP) et Canadian Association of Naturopathic Doctors (CAND)). D'après l'enquête mondiale 2014/2015 sur la main-d'œuvre en naturopathie, ces principes semblent avoir une reconnaissance et une acceptation internationales.

Les principes de naturopathie enseignés dans la plupart des pays comprennent :

  • Premierement ne faites pas de mal (primum non nocere)
  • Pouvoir de guérison de la nature (vis medicatrixnaturae)
  • Traiter la cause (tollecausam)
  • Traiter toute la personne (tolletotum)
  • Docteur comme enseignant (docere)
  • Prévention des maladies et promotion de la santé
  • Bien-être

Théories naturopathiques

Il existe un certain nombre de théories naturopathiques pratiquées dans le monde, notamment :

  • Théorie humorale
  • Ordre thérapeutique
  • émonctoires
  • Théorie des systèmes complexes

Modalités naturopathiques

Les modalités ou thérapies naturopathiques utilisées dans le monde varient selon les pays. Certaines des modalités naturopathiques les plus courantes comprennent :

  • Nutrition clinique
  • Médecine botanique (herboristerie)
  • Médicament homéopathique
  • Médecine traditionnelle chinoise / Acupuncture
  • Médecine physique
  • Hydrothérapie – Cure d'Eau
  • Conseil en prévention et mode de vie
  • Thérapie d'hygiène
  • Cure Nature

Certains docteurs en naturopathie auront une formation complémentaire dans d'autres thérapies naturelles telles que :

  • Médecine ayurvédique
  • Droits de prescription
  • IV Thérapies
  • Thérapie de chélation
  • Chirurgie mineure
  • Thérapie du côlon

Réglementation mondiale de la naturopathie

La naturopathie est pratiquée dans toutes les régions du monde, couvrant plus de quatre-vingts pays. La réglementation légale de la profession de naturopathe existe actuellement dans les juridictions en Amérique du Nord, en Inde, en Europe et en Amérique latine. Pour être membre à part entière de la WNF, les associations doivent soutenir et œuvrer à la réglementation. Ils doivent également soutenir l'accréditation éducative et l'avancement des normes éducatives.

Processus de réglementation en naturopathie
La réglementation statutaire de la naturopathie, comme celle de tous les professionnels, est fortement corrélée aux normes éducatives et est influencée par le paysage politique de chaque pays et la réglementation des autres systèmes de médecine traditionnelle et complémentaire dans la région. Chaque pays ou région ayant une réglementation est soutenu par une association professionnelle de naturopathie. Pour les pays / régions qui n'ont pas encore de réglementation, le WNF encourage les associations professionnelles de naturopathie à s'engager dans des activités d'auto-gouvernance qui protègent le public alors qu'elles travaillent à la réglementation.

Aperçu de la réglementation légale de la naturopathie à l'échelle mondiale
La réglementation des naturopathes est diversifiée. Il couvre les techniciens en naturopathie, les naturopathes agréés, le diplôme en naturopathie et les docteurs en naturopathie. Les naturopathes en Europe sont appelés Heilpraktiker ou Naturopathes. En Amérique du Nord et en Inde, les naturopathes sont réglementés en tant que docteurs en naturopathie et/ou docteurs en naturopathie. En Amérique latine, une réglementation existe à la fois pour les techniciens en naturopathie et les docteurs en naturopathie. Cette différence reflète les différences éducatives, mais la philosophie et les principes fondamentaux sont les mêmes.


Préhistoire

Paléolithique

Les peintures rupestres paléolithiques et néolithiques vieilles de 30 000 ans du site du patrimoine mondial de l'UNESCO aux abris sous roche de Bhimbetka dans le Madhya Pradesh montrent un type de danse. [1] L'art rupestre mésolithique et chalcolithique de Bhimbhetka illustre des instruments de musique très simples tels que des tambours de roche et d'autres instruments simples. [2]

Néolithique

Ère chalcolithique (4000 avant notre ère) des celtes en pierre polie en forme de barre étroite comme des instruments de musique, l'un des plus anciens instruments de musique en Inde, ont été fouillés à Sankarjang dans le district d'Angul d'Odisha. [3] Il existe des preuves historiques sous la forme de preuves sculpturales, c'est-à-dire des instruments de musique, des postures de chant et de danse de demoiselles dans les grottes de Raniumpha à Khandagiri et Udayagiri à Bhubaneswar.

Civilisation de la vallée de l'Indus

La sculpture Dancing Girl (2500 avant notre ère) a été trouvée sur le site de la civilisation de la vallée de l'Indus (IVC). [4] [5] [6] [7] Il y a des peintures de l'ère IVC sur la poterie d'un homme avec un dhol suspendu à son cou et une femme tenant un tambour sous son bras gauche. [8]

Ère védique et antique

Les Vedas (c. 1500 – c. 800 avant notre ère période védique) [9] [10] [11] [12] documentent les rituels avec les arts du spectacle et le jeu. [13] [14] Par exemple, Shatapatha Brahmana (

800-700 AEC) a des versets du chapitre 13.2 écrits sous la forme d'une pièce de théâtre entre deux acteurs. [13] Tala ou taal est un concept musical ancien qui remonte aux textes de l'époque védique de l'hindouisme, tels que le Samaveda et méthodes pour chanter les hymnes védiques. [15] [16] [17] Smriti (500 avant notre ère à 100 avant notre ère) les textes hindous post-védiques [18] [19] [20] incluent le Ramayana de Valmiki (500 avant notre ère à 100 avant notre ère) qui mentionne la danse et la musique (danse d'Apsaras comme Urvashi, Rambha, Menaka, Tilottama Panchāpsaras et les femmes de Ravana excellant dans nrityageeta ou "chanter et danser" et nritavaditra ou "jouer des instruments de musique"), la musique et le chant des Gandharvas, plusieurs instruments à cordes (vina, tantri, bīn, vipanci et vallaki semblable à veena), instruments à vent (shankha, venu et venugana – probablement un orgue à bouche fabriqué en attachant plusieurs flûtes ensemble), raga (y compris kaushika tel que Raag Kaushik Dhwani), registres vocaux (sept svara ou sur, ana ou ekashurti faites glisser la note, murchana la montée et la descente régulées de la voix dans matra et tripramana triple adolescent taal laya tel que drut ou rapide, madhya ou au milieu, et vilambit ou lente), récitation de poésie en Bala Kanda et aussi en Uttara Kanda par Luv et Kusha en marga style. [21]

À partir de la première œuvre connue Tholkappiyam (500 avant notre ère), il existe plusieurs références à la musique et casseroles dans l'ancienne littérature pré-Sangam et Sangam à partir du premier ouvrage connu Tholkappiyam (500 avant notre ère). Parmi la littérature sangam, Mathurikkanci fait référence aux femmes qui chantent sevvazhi pann invoquer la miséricorde de Dieu pendant l'accouchement. Dans Tolkappiyam, les cinq paysages de la littérature sangam avaient chacun un Pann, chacun décrivant l'ambiance de la chanson associée à ce paysage. Parmi les nombreux casseroles qui trouvent mention dans l'ancienne littérature tamoule sont, Ambal Pann, qui convient pour être joué à la flûte, sevvazhi pann sur le Yazh (luth), Nottiram et Sevvaji exprimer le pathétique, le captivant Kurinji pann et le vivifiant Murudappann. Pann (tamoul : பண் ) est le mode mélodique utilisé par le peuple tamoul dans sa musique depuis les temps anciens. L'ancien casseroles au fil des siècles, il a d'abord évolué vers une gamme pentatonique et plus tard vers le Sargam carnatique à sept notes. Mais depuis les temps les plus reculés, la musique tamoule est heptatonique et connue sous le nom d'Ezhisai (ஏழிசை). [22]

le saint-poète sanskrit Jayadeva, qui fut le grand compositeur et l'illustre maître de la musique classique, façonna Odra-Magadhi style musical et a eu une grande influence sur Odissi Sangita. [23] [24]

Śārṅgadeva a composé Sangita-Ratnakara, l'un des textes musicologiques sanskrits les plus importants de l'Inde, [25] [26] qui est considéré comme le texte définitif à la fois dans la musique hindoustani et les traditions musicales carnatiques de la musique classique indienne. [27] [28]

Le poète assamais Madhava Kandali, écrivain de Saptakanda Ramayana, énumère plusieurs instruments dans sa version de "Ramayana", tels que mardala, khumuchi, bhemachi, dagar, gratal, ramtal, tabal, jhajhar, jinjiri, bheri mahari, tokari, dosari, kendara, dotara, vina, rudra-vipanchi, etc. 14e siècle ou avant). [29] Le système de notation indien est peut-être le plus ancien et le plus élaboré du monde. [30]

Époque médiévale

Au début du 14ème siècle sous les Khiljis, il y avait des concerts et des compétitions entre les musiciens hindoustani et carnatiques. [31]

XXe siècle

Au début des années 1960, des pionniers du jazz tels que John Coltrane et George Harrison ont collaboré avec des instrumentistes indiens et ont commencé à utiliser des instruments indiens tels que le sitar dans leurs chansons. À la fin des années 1970 et au début des années 1980, les fusions rock and roll avec la musique indienne étaient bien connues dans toute l'Europe et l'Amérique du Nord. À la fin des années 1980, des artistes indo-britanniques ont fusionné les traditions indiennes et occidentales pour créer l'Asian Underground. Au cours du nouveau millénaire, le hip-hop américain a présenté des films indiens et des bhangra. Les artistes hip-hop traditionnels ont échantillonné des chansons de films de Bollywood et ont collaboré avec des artistes indiens, tels que "Indian Flute" de Timbaland

Les deux principales traditions de la musique classique indienne sont la musique carnatique, qui est pratiquée principalement dans les régions péninsulaires (sud), et la musique hindoustani, que l'on trouve dans les régions du nord, de l'est et du centre. Les concepts de base de cette musique comprennent Shruti (microtons), Swaras (Remarques), Alankar (ornements), Raga (mélodies improvisées à partir de grammaires de base), et Tala (motifs rythmiques utilisés en percussion). Son système tonal divise l'octave en 22 segments appelés Shrutis, pas tous égaux mais chacun à peu près égal à un quart de ton entier de la musique occidentale. La musique classique repose sur les principes fondamentaux des sept notes de la musique classique indienne. Ces sept notes sont également appelées Sapta svara ou Sapta Sur. Ces sept svaras sont respectivement Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha et Ni. Ces Sapta Svaras sont orthographiés comme Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha et Ni, mais ce sont des formes abrégées de Shadja (षड्ज), Rishabha (ऋषभ), Gandhara (गान्धार), Madhyama (मध्यम), Panchama (पंचम), Dhaivata (धैवत) et Nishada (निषाद) respectivement. [33] Ceux-ci sont également équivalents à Do, Re, Mi, Fa, So, La, Ti. Seuls ces sept svaras ont construit la musique classique hindoustani et la musique classique carnatique. Ces sept svaras sont les fondements d'un raga. Ces sept svaras sans aucune variation, sont appelés svaras Shuddha. Les variations de ces svaras les rendent Komal et Tivra svaras. Tous les autres svaras sauf Sadja(Sa) et Pancham (Pa) peuvent être Komal ou Tivra svaras mais Sa et Pa sont toujours Shuddha svaras. Et par conséquent svaras Sa et Pa sont appelés Achal Svaras, puisque ces svaras ne bougent pas de leur position d'origine alors que les svaras Ra, Ga, Ma, Dha, Ni sont appelés Chal Svaras, puisque ces svaras quittent leur position d'origine.

L'Académie Sangeet Natak reconnaît huit formes de danse et de musique classiques, à savoir Bharatanatyam, Kathak, Kuchipudi, Odissi, Kathakali, Sattriya, Manipuri et Mohiniyattam. [34] De plus, le ministère indien de la Culture inclut également Chhau dans sa liste classique.

Musique carnatique

La musique carnatique remonte aux 14e - 15e siècles après JC et par la suite. Il est originaire de l'Inde du Sud pendant le règne de l'empire Vijayanagar à travers les Keerthanas composés par Purandara Dasa. Comme la musique hindoustani, elle est mélodique, avec des variations improvisées, mais a tendance à avoir des compositions plus fixes. Il s'agit d'une composition avec des embellissements improvisés ajoutés à la pièce sous la forme de Raga Alapana, Kalpanaswaram, Néraval et, dans le cas des étudiants plus avancés, Ragam Thanam Pallavi. L'accent est mis sur le chant car la plupart des compositions sont écrites pour être chantées, et même lorsqu'elles sont jouées sur des instruments, elles sont censées être interprétées dans un style chanté (appelé gāyaki). Environ 300 ragams sont utilisés aujourd'hui. Annamayya est le premier compositeur connu de la musique carnatique. Il est largement considéré comme l'Andhra Pada kavitā Pitāmaha (parrain de l'écriture de chansons telugu). Purandara Dasa est considéré comme le père de la musique carnatique, tandis que les musiciens ultérieurs Tyagaraja, Shyama Shastry et Muthuswami Dikshitar sont considérés comme la trinité de la musique carnatique. [ citation requise ]

Chaque année en décembre, la ville de Chennai en Inde organise sa saison musicale de huit semaines, qui est le plus grand événement culturel au monde. [35]

La musique carnatique a servi de fondement à la plupart des musiques du sud de l'Inde, y compris la musique folklorique, la musique de festival et a également étendu son influence à la musique de film au cours des 100 à 150 dernières années.

Musique hindoustanie

La tradition de la musique hindoustani remonte à l'époque védique où les hymnes du Sama Veda, un ancien texte religieux, étaient chantés en tant que Samagana et non chantés. Il a divergé de la musique carnatique vers les XIIIe et XIVe siècles de notre ère, principalement en raison d'influences islamiques. [ citation requise ] Développant une tradition forte et diversifiée sur plusieurs siècles, elle possède des traditions contemporaines établies principalement en Inde mais aussi au Pakistan et au Bangladesh. Contrairement à la musique carnatique, l'autre grande tradition de la musique classique indienne originaire du Sud, la musique hindoustani n'était pas seulement influencée par les anciennes traditions musicales hindoues, la philosophie védique historique et les sons indiens indigènes, mais également enrichie par les pratiques de performance persanes des Moghols. Les genres classiques sont le dhrupad, le dhamar, le khyal, le tarana et le sadra, et il existe également plusieurs formes semi-classiques.

La racine du nom de musique C(K)arnatic est dérivée du sanskrit. Karnam signifie oreilles et Atakam signifie ce qui est doux ou ce qui persiste.

Musique classique légère

Il existe de nombreux types de musique qui entrent dans la catégorie des classiques légers ou semi-classiques. Certaines des formes sont Thumri, Dadra, Bhajan, Ghazal, Chaiti, Kajri, Tappa, Natya Sangeet et Qawwali. Ces formes mettent l'accent sur la recherche explicite de l'émotion du public, par opposition aux formes classiques.

Tamang Selo

C'est un genre musical du peuple Tamang et populaire parmi la communauté népalaise du Bengale occidental, du Sikkim, de l'Inde et du monde entier. Il est accompagné d'instruments Tamang, le Madal, le Damphu et le Tungna, bien que de nos jours les musiciens se soient tournés vers les instruments modernes. Un Tamang Selo peut être entraînant et vivant ou lent et mélodieux, et est généralement chanté pour transmettre le chagrin, l'amour, le bonheur ou les incidents quotidiens et les histoires du folklore. [36]

Hira Devi Waiba est saluée comme la pionnière des chansons folkloriques népalaises et de Tamang Selo. Sa chanson « Chura ta Hoina Astura » (चुरा त होइन अस्तुरा) serait la première Tamang Selo jamais enregistrée. Elle a chanté près de 300 chansons au cours de sa carrière musicale de 40 ans. [37] [38] Après la mort de Waiba en 2011, son fils Satya Aditya Waiba (producteur/gérant) et Navneet Aditya Waiba (chanteur) ont collaboré et réenregistré ses chansons les plus emblématiques et ont sorti un album intitulé Ama Lai Shraddhanjali (आमालाई श्रद्धाञ्जली-Hommage à Mère). [39] [40] [41] Le duo sont les seuls individus dans le genre de musique folklorique népalaise qui produisent des chansons folkloriques népalaises traditionnelles authentiques sans adultération ou modernisation. [42] [43]

Bhangra et Giddha

Bhangra (Punjabi : ਭੰਗੜਾ) est une forme de musique folklorique du Pendjab axée sur la danse. La comédie musicale actuelle

le style est dérivé de l'accompagnement musical non traditionnel des riffs du Pendjab du même nom. La danse féminine de la région du Pendjab est connue sous le nom de Giddha (Punjabi : ਗਿੱਧਾ).

Bihu et Borgeet

Bihu (en assamais : বিহু ) est la fête du Nouvel An de l'Assam tombant à la mi-avril. C'est un festival de la nature et de la terre mère où le premier jour est pour les vaches et les buffles. Le deuxième jour du festival est pour l'homme. Les danses et chants du Bihu accompagnés de tambours traditionnels et d'instruments à vent sont une partie essentielle de ce festival. Les chansons Bihu sont énergiques et avec des rythmes pour accueillir le printemps festif. Les tambours assamais (dhol), Pepa (généralement en corne de buffle), Gogona sont les principaux instruments utilisés. [44] [45]

Les borgeets (en assamais : বৰগীত ) sont des chansons lyriques qui sont réglées sur des ragas spécifiques mais pas nécessairement sur un tala. Ces chants, composés par Srimanta Sankardeva et Madhavdeva aux XVe-XVIe siècles, sont utilisés pour commencer les services de prière dans les monastères, par ex. Satra et Namghar associés à l'Ekasarana Dharma et ils appartiennent également au répertoire de la musique d'Assam en dehors du contexte religieux. Ils sont une souche lyrique qui expriment les sentiments religieux des poètes réagissant à différentes situations, et diffèrent des autres paroles associées à l'Ekasarana Dharma.

Les principaux instruments utilisés dans les borgeets sont Négera,Taal, Khols etc. [46]

Dandiya

Dandiya ou Raas est une forme de danse culturelle gujarati qui est exécutée avec des bâtons. Le style musical actuel est dérivé de l'accompagnement musical traditionnel de la danse folklorique. Elle est pratiquée principalement dans l'état du Gujarat. Il existe également un autre type de danse et de musique associé au Dandiya/Raas appelé Garba.

Gaana

Gaana est une « collection de rythmes, de rythmes et de sensibilités originaires des Dalits de Chennai ». [47] [48] Il a évolué au cours des deux derniers siècles, combinant des influences de la siddhars (adeptes tantriques) des anciens Tamilakam, des saints tamouls soufis, et plus encore. [47] Les chansons de Gaana sont interprétées lors des mariages, des spectacles sur scène, des rassemblements politiques et des funérailles. Les interprètes chantent sur un large éventail de sujets, mais l'essence de gaana serait « d'angoisse et de mélancolie » basée sur les luttes de la vie. [47] Au cours des dernières décennies, le genre est entré dans la musique de l'industrie cinématographique tamoule traditionnelle et a gagné en popularité. [47] [49] Les groupes de gaana contemporains comme The Castelless Collective apportent le genre à de nouveaux publics tout en l'utilisant pour l'activisme social, en particulier contre la discrimination de caste. [47]

Haryanvi

La musique folklorique de l'Haryana a deux formes principales : la musique folklorique classique de l'Haryana et la musique folklorique desi de l'Haryana (musique country de l'Haryana). [50] Ils prennent la forme de ballades et d'angoisses de séparation d'amoureux, de bravoure et de bravoure, de récolte et de bonheur. [51] Haryana est riche en traditions musicales et même des endroits ont été nommés d'après des ragas, par exemple le district de Charkhi Dadri a de nombreux villages nommés Nandyam, Sarangpur, Bilawala, Brindabana, Todi, Asaveri, Jaisri, Malakoshna, Hindola, Bhairvi et Gopi Kalyana . [50] [52]

Himachali

La musique folklorique de l'Himachal varie selon l'événement ou le festival. L'un des styles de musique les plus populaires est Nati Musique,nati étant la danse traditionnelle qui se fait sur la chanson. La musique Nati est généralement festive et se déroule lors de foires ou d'autres occasions telles que les mariages.

Jhumair et Domkach

Jhumair et Domkach sont de la musique folklorique Nagpuri. Les instruments de musique utilisés dans la musique et la danse folkloriques sont le Dhol, le Mandar, le Bansi, le Nagara, le Dhak, le Shehnai, le Khartal, le Narsinga, etc. [53] [54]

Lavani

Lavani vient du mot Lavania qui signifie "beauté". C'est l'une des formes de danse et de musique les plus populaires pratiquées dans tout le Maharashtra. Il est en fait devenu une partie nécessaire des spectacles de danse folklorique du Maharashtrian. Traditionnellement, les chansons sont chantées par des artistes féminines, mais les artistes masculins peuvent parfois chanter Lavanis. Le format de danse associé à Lavani est connu sous le nom de Tamasha. Lavani est une combinaison de chants et de danses traditionnels, qui s'exécutent particulièrement sur les rythmes enchanteurs de « Dholaki », un instrument semblable à un tambour. La danse est exécutée par de jolies femmes portant des saris de neuf mètres. Ils sont chantés dans un tempo rapide. Lavani est originaire de la région aride du Maharashtra et du Madhya Pradesh.

Manipuri

La musique de Manipur et la danse de Manipur sont l'héritage du peuple Manipur. Selon la tradition du peuple Manipuri dans les contreforts et les vallées himalayennes reliant l'Inde à la Birmanie, ce sont les Gandharvas (musiciens et danseurs célestes) dans les textes védiques, [55] et les textes historiques du peuple Manipur appellent la région comme Gandharva-desa. [56] Le Védique Oucha, la déesse de l'aube, est un motif culturel pour les femmes manipuri, et dans la tradition indienne, c'était Oucha qui a créé et enseigné l'art de la danse féminine aux filles. [56] Cette tradition orale de la danse féminine est célébrée comme Chingkheirol dans la tradition manipuri. [56]

Les anciens textes sanskrits tels que l'épopée du Mahabharata mentionnent Manipur, où Arjuna rencontre et tombe amoureux de Chitragada. [55] La danse s'appelle Jagoi dans une langue Meitei majeure de la région et il retrace une longue tradition au Manipur. La danse Lai Haraoba a probablement des racines anciennes et partage de nombreuses similitudes avec les postures de danse de Nataraja et de son légendaire disciple appelé Tandu (appelé localement Tangkhu). [56] [55] De même, tout comme la danse liée aux roturiers Khamba et princesse Thoibi – qui jouent le rôle de Shiva et Parvati pan-indien, dans la légendaire histoire d'amour tragique de Khamba-Thoibi trouvée dans l'épopée de Manipuri Moirang Parba. [55] [56] [57]

Musique de Marfa

Hadrani Marfa, ou simplement la musique de Marfa, introduite au XVIIIe siècle dans l'État d'Hyderabad par la communauté Siddi d'Afrique de l'Est à partir de la musique afro-arabe de Hadhramawt au Yémen, est une forme de musique rythmique de célébration et de danse parmi les musulmans d'Hyderabad, jouée avec un tempo élevé en utilisant Instrument Marfa, daff, Dhol, bâtons, [58] [59] pots en acier et bandes de bois appelés thapi. [60]

La musique Mizo est née lorsque les distiques ont été développés lors de la colonisation de Thantlang en Birmanie entre 1300 et 1400 de notre ère, et les chansons folkloriques développées au cours de cette période étaient dar hla (chansons sur gong) Bawh hla (chants de guerre), Hlado (chants de chasse) Nauawih hla (Chansons du berceau) Un plus grand développement des chants peut être observé à partir de la colonie de Lentlang en Birmanie, estimée entre la fin du XVe et le XVIIe siècle de notre ère. [61] Le Mizo occupait l'actuel Mizoram à partir de la fin du XVIIe siècle. La période précoloniale, c'est-à-dire du XVIIIe au XIXe siècle, a été une autre époque importante dans l'histoire de la littérature populaire Mizo. Avant l'annexion par le gouvernement britannique, les Mizo ont occupé l'actuel Mizoram pendant deux siècles. En comparaison avec les chansons folkloriques de la colonie de Thantlang et de Lentlang, les chansons de cette période sont plus développées dans leur nombre, leur forme et leur contenu. Les langues sont plus polies et les flux aussi meilleurs. La plupart des chansons de cette période portent le nom des compositeurs.

Odissi

Jayadeva, le saint-poète sanskrit du XIIe siècle, le grand compositeur et l'illustre maître de la musique classique, a une immense contribution à la musique d'Odissi. Pendant son temps Odra-Magadhi la musique de style a pris forme et a atteint son statut classique. Il indiqua les ragas classiques qui prévalaient à l'époque dans lesquels ceux-ci devaient être chantés. Avant cela, il y avait la tradition de Chhanda qui était simple dans le contour musical. A partir du XVIe siècle, les traités de musique [23] [24] sont Sangitamava Chandrika, Gita Prakasha, Sangita Kalalata et Natya Manorama. Un couple de traité à savoir, Sangita Sarani et Sangi Narayana, ont également été écrites au début du XIXe siècle.

Odissi Sangita comprend quatre classes de musique à savoir Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala et Panchal, décrit dans les anciens textes de musique oriya. Le chef Odissi et Shokabaradi. Odissi Sangita (musique) est une synthèse de quatre classes de musique, c'est-à-dire Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala et Panchal, décrits dans les textes susmentionnés.

Les grands représentants [23] [24] de la musique Odissi dans les temps modernes sont Singhari Shyamasundara Kar, Markandeya Mahapatra, Kashinath Pujapanda, Balakrushna Das, Gopal Chandra Panda, Ramhari Das, Bhubaneswari Misra, Shymamani Devi et Sunanda Patnaik, qui ont atteint éminence dans la musique classique.

Rabindra Sangeet (musique du Bengale)

Rabindra Sangeet (Bengali : রবীন্দ্রসঙ্গীত Robindro Shonggit, Prononciation bengali : [ɾobindɾo ʃoŋɡit] ), également connues sous le nom de chansons Tagore, sont des chansons écrites et composées par Rabindranath Tagore. Ils ont des caractéristiques distinctives dans la musique du Bengale, populaire en Inde et au Bangladesh. [62] "Sangeet" signifie musique, "Rabindra Sangeet" signifie musique (ou plus justement des chansons) de Rabindra.

Tagore a écrit quelque 2 230 chansons en bengali, maintenant connu sous le nom de Rabindra Sangeet, en utilisant la musique classique et la musique folklorique traditionnelle comme sources. [63] [64]

Tagore a écrit les hymnes nationaux de l'Inde et du Bangladesh et a influencé l'hymne national du Sri Lanka.

Rajasthan

Le Rajasthan possède une collection culturelle très diversifiée de castes de musiciens, notamment Langas, Sapera, Bhopa, Jogi et Manganiyar (littéralement "ceux qui demandent/implorent"). Journal du Rajasthan le cite comme une musique émouvante et pleine de gorge avec une diversité harmonieuse. Les mélodies du Rajasthan proviennent d'une variété d'instruments. La variété à cordes comprend le Sarangi, le Ravanahatha, le Kamayacha, le Morsing et l'Ektara. Les instruments à percussion sont de toutes formes et tailles, des énormes Nagaras et Dhols aux minuscules Damrus. Les Daf et Chang sont les favoris des fêtards Holi (le festival des couleurs). Les flûtes et les cornemuses sont disponibles dans des saveurs locales telles que Shehnai, Poongi, Algoza, Tarpi, Been et Bankia.

La musique du Rajasthan est dérivée d'une combinaison d'instruments à cordes, d'instruments à percussion et d'instruments à vent accompagnés d'interprétations de chanteurs folkloriques. Il bénéficie également d'une présence respectable dans la musique de Bollywood.

Rock folklorique soufi / rock soufi

Le folk rock soufi contient des éléments de hard rock moderne et de musique folklorique traditionnelle avec de la poésie soufie. Bien qu'il ait été lancé par des groupes comme Junoon au Pakistan, il est devenu très populaire, en particulier dans le nord de l'Inde. En 2005, le rabbin Shergill a sorti une chanson rock soufie intitulée « Bulla Ki Jaana », qui est devenue un hit en Inde et au Pakistan. Plus récemment, la chanson folk rock soufi " Bullleya " du film 2016 Ae Dil Hai Mushkil est devenu un succès gigantesque. [ citation requise ]

Uttarakhandi

La musique folklorique d'Uttarakhandi a ses racines dans la nature et le terrain vallonné de la région. Les thèmes communs à la musique folklorique de l'Uttarakhand sont la beauté de la nature, les différentes saisons, les festivals, les traditions religieuses, les pratiques culturelles, les histoires folkloriques, les personnages historiques et la bravoure des ancêtres. Les chansons folkloriques d'Uttarakhand sont le reflet de l'héritage culturel et de la façon dont les gens vivent leur vie dans l'Himalaya. Les instruments de musique utilisés dans la musique d'Uttarakhand comprennent le Dhol, le Damoun, le Hudka, le Turri, le Ransingha, le Dholki, le Daur, le Thali, le Bhankora et le Masakbhaja. Tabla et Harmonium sont également parfois utilisés, en particulier dans la musique folklorique enregistrée à partir des années 1960. Des instruments de musique génériques indiens et mondiaux ont été incorporés dans les gens populaires modernes par des chanteurs comme Mohan Upreti, Narendra Singh Negi, Gopal Babu Goswami et Chandra Singh Rahi. [ citation requise ]

Musique de danse

Musique de danse, plus communément appelée "Musique DJ", est principalement joué dans les boîtes de nuit, les fêtes, les mariages et autres célébrations. Il est plus populaire chez les jeunes. Il est principalement basé sur la musique de film indienne ainsi que sur la musique pop indienne, qui ont toutes deux tendance à emprunter et à moderniser les chansons de danse classique et folklorique avec des instruments modernes et d'autres innovations.

Musique de film

La plus grande forme de musique populaire indienne est le filmi, ou chansons de films indiens, il représente 72% des ventes de musique en Inde. [65] L'industrie cinématographique de l'Inde a soutenu la musique en respectant la musique classique tout en utilisant l'orchestration occidentale pour soutenir les mélodies indiennes. Compositeurs de musique, comme RD Burman, Shankar Jaikishan, SD Burman, Laxmikant–Pyarelal, Madan Mohan, Bhupen Hazarika, Naushad Ali, OP Nayyar, Hemant Kumar, C. Ramchandra, Salil Chowdhury, Kalyanji Anandji, Ilaiyaraaja, AR Rahman, Jatin Lalit Anu Malik, Nadeem-Shravan, Harris Jayaraj, Himesh Reshammiya, Vidyasagar, Shankar Ehsaan Loy, Salim-Sulaiman, Pritam, MS Viswanathan, K.V. Mahadevan, Ghantasala et S.D. Batish ont utilisé les principes de l'harmonie tout en conservant la saveur classique et folklorique. Des noms réputés dans le domaine de la musique classique indienne comme Ravi Shankar, Vilayat Khan, Ali Akbar Khan et Ram Narayan ont également composé de la musique pour des films. Traditionnellement, dans les films indiens, la voix des chansons n'est pas fournie par les acteurs, elles sont fournies par les chanteurs de lecture professionnels, pour un son plus développé, mélodieux et émouvant, tandis que les acteurs synchronisent les lèvres à l'écran. Dans le passé, seule une poignée de chanteurs fournissaient la voix dans les films. Il s'agit notamment de Kishore Kumar, K.J. Yesudas, Mohammed Rafi, Mukesh, S.P. Balasubrahmanyam, T.M. Soundararajan, Hemant Kumar, Manna Dey, P. Susheela, Lata Mangeshkar, Asha Bhonsle, K.S. Chitra, Geeta Dutt, S. Janaki, Shamshad Begum, Suraiya, Noorjahan et Suman Kalyanpur. Les chanteurs de playback récents incluent Udit Narayan, Kumar Sanu, Kailash Kher, Alisha Chinai, KK, Shaan, SPB Charan, Madhushree, Shreya Ghoshal, Nihira Joshi, Kavita Krishnamurthy, Hariharan (chanteur), Ilaiyaraaja, A.R. Rahman, Sonu Nigam, Sukhwinder Singh, Kunal Ganjawala, Anu Malik, Sunidhi Chauhan, Anushka Manchanda, Raja Hasan, Arijit Singh et Alka Yagnik. Des groupes de rock comme Indus Creed, Indian Ocean, Silk Route et Euphoria ont gagné en popularité avec l'avènement de la télévision musicale par câble.

Musique pop

La musique pop indienne est basée sur un amalgame de musique folk et classique indienne, et de rythmes modernes de différentes parties du monde. La musique pop a vraiment commencé dans la région de l'Asie du Sud avec la chanson du chanteur de playback Ahmed Rushdi 'Ko Ko Korina’ en 1966, suivi d’abord par Mohammad Rafi à la fin des années 1960 puis par Kishore Kumar au début des années 1970. [66]

Après cela, une grande partie de la musique pop indienne vient de l'industrie cinématographique indienne, et jusqu'aux années 1990, peu de chanteurs comme Usha Uthup, Sharon Prabhakar et Peenaz Masani en dehors de celle-ci étaient populaires. Depuis lors, les chanteurs pop de ce dernier groupe ont inclus Daler Mehndi, Baba Sehgal, Alisha Chinai, KK, Shantanu Mukherjee aka Shaan, Sagarika, Colonial Cousins ​​(Hariharan, Lesle Lewis), Lucky Ali et Sonu Nigam, et des compositeurs de musique comme Zila Khan ou Jawahar Wattal, qui a réalisé les albums les plus vendus avec, Daler Mehndi, Shubha Mudgal, Baba Sehgal, Shweta Shetty et Hans Raj Hans. [67]

Récemment, la pop indienne a pris une tournure intéressante avec le "remix" de chansons d'anciens morceaux de films indiens, de nouveaux rythmes y étant ajoutés.

Musique patriotique

Des sentiments patriotiques ont été suscités chez les Indiens à travers la musique depuis l'époque de la lutte pour la liberté. Jana Gana Mana, l'hymne national de l'Inde de Rabindranath Tagore, est largement crédité [69] [70] pour avoir uni l'Inde à travers la musique et Vande Mataram de Bankim Chandra Chattopadhyay comme la chanson nationale de l'Inde. Des chants patriotiques ont également été écrits dans de nombreuses langues régionales telles que Biswo Bizoyi No Zuwan en assamais. Des chansons post-indépendance telles que le logo Aye mere watan ke, Mile Sur Mera Tumhara, Ab Tumhare Hawale Watan Saathiyo, Maa Tujhe Salaam par A.R.Rahman ont été responsables de la consolidation des sentiments d'intégration nationale et d'unité dans la diversité.

Adoption de la musique occidentale en Inde

La musique du monde occidental a été adoptée en Inde, en créant de la musique fusion en Inde, qui à son tour a enrichi et créé des genres mondiaux de musique occidentale.

Transe de Goa

Goa trance, un style de musique électronique né à la fin des années 1980 à Goa en Inde, [71] a des lignes de basse funky, semblables à des drones, similaires au minimalisme techno de la psytrance du 21e siècle. La transe psychédélique développée à partir de la transe de Goa. [72] À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Goa est devenue populaire en tant que capitale hippie, ce qui a entraîné une évolution de la transe de Goa tout au long des années 1980 en mélangeant la culture spirituelle de l'Inde avec des éléments musicaux occidentaux de la musique industrielle, du new beat et de la musique corporelle électronique ( EBM), et le style de transe Goa actuel s'est établi au début des années 1990. [71] [73]

Jazz et blues

Jazz in India a été joué pour la première fois régulièrement dans les métropoles de Calcutta et de Bombay au début ou au milieu des années 1920. [74] [75] Des années 1930 aux années 1950 est appelé l'âge d'or du jazz en Inde, lorsque des musiciens de jazz comme Leon Abbey, Crickett Smith, Creighton Thompson, Ken Mac, Roy Butler, Teddy Weatherford (qui a enregistré avec Louis Armstrong ), et Rudy Jackson qui a fait une tournée en Inde pour éviter la discrimination raciale à laquelle ils étaient confrontés aux États-Unis. [76] [77] Dans les années 1930, les musiciens de jazz jouaient dans les boîtes de nuit de Bombay, comme dans la salle de bal de l'hôtel Taj Mahal, beaucoup de ces musiciens étaient des Goans qui travaillaient également dans l'industrie cinématographique de Bollywood et étaient responsables de l'introduction de genres comme le jazz et le swing à la musique de film hindi. [78]

Le blues indien est moins répandu en Inde que le jazz. L'intérêt pour le blues en Inde n'a été qu'accessoire en raison de l'ascendance partagée avec le jazz.

Musique rock et métal

Roche indienne

La scène musicale rock en Inde est petite par rapport aux scènes de musicalité filmi ou fusion. La musique rock en Inde a ses origines dans les années 1960, lorsque des stars internationales telles que les Beatles ont visité l'Inde et ont apporté leur musique avec elles. La collaboration de ces artistes avec des musiciens indiens tels que Ravi Shankar et Zakir Hussain a conduit au développement du raga rock. Les stations de radio internationales à ondes courtes telles que The Voice of America, BBC et Radio Ceylon ont joué un rôle majeur dans la diffusion de la musique pop, folk et rock occidentale aux masses. Les groupes de rock indiens n'ont commencé à prendre de l'importance que beaucoup plus tard, vers la fin des années 1980.

C'est à cette époque que le groupe de rock Indus Creed anciennement connu sous le nom de The Rock Machine se fait remarquer sur la scène internationale avec des tubes comme Rock N Roll Renegade. D'autres groupes ont rapidement suivi. Avec l'introduction de MTV au début des années 1990, les Indiens ont commencé à être exposés à diverses formes de rock telles que le grunge et le speed metal, ce qui a eu un impact sur la scène nationale. Les villes de la région du Nord-Est, principalement Guwahati et Shillong, Kolkata, Delhi, Mumbai et Bangalore sont devenues des creusets majeurs pour les amateurs de rock et de métal. Bangalore a été la plaque tournante du mouvement rock et métal en Inde. Certains groupes importants incluent Nicotine, Voodoo Child, Indian Ocean, Kryptos, Thermal and a Quarter, Demonic Resurrection, Motherjane, Avial et Parikrama. Des labels spécifiques au rock tels que DogmaTone Records et Eastern Fare Music Foundation ont depuis vu le jour, soutenant des groupes de rock indien.

Originaire de l'Inde centrale, Nicotine, un groupe de metal basé à Indore, a été crédité de la musique metal pionnière dans la région. [79] [80] [81] [82] [83] [84] [85] [86] [87] [88] [ citations excessives ]

Roche raga

Le raga rock est une musique rock ou pop avec une forte influence indienne, que ce soit dans sa construction, son timbre, ou son utilisation d'instruments, comme le sitar et le tabla. Le raga et d'autres formes de musique indienne classique ont commencé à influencer de nombreux groupes de rock au cours des années 1960, notamment les Beatles. Les premières traces de "raga rock" peuvent être entendues sur des chansons telles que "See My Friends" des Kinks et "Heart Full of Soul" des Yardbirds, sorti le mois précédent, comportait un riff de sitar du guitariste Jeff Beck. [89] [90] La chanson des Beatles "Norwegian Wood (This Bird Has Flyn)", qui est apparue pour la première fois sur l'album Rubber Soul du groupe en 1965, a été la première chanson pop occidentale à incorporer le sitar (joué par le guitariste principal George Harrison) . [90] [91] Le single "Huit Miles High" de Byrds en mars 1966 et sa face B "Pourquoi" ont été aussi influents dans l'origine du sous-genre musical. En effet, le terme « raga rock » a été inventé par le publiciste des Byrds dans les communiqués de presse du single et a été utilisé pour la première fois dans la presse écrite par la journaliste Sally Kempton dans sa critique de « Eight Miles High » pour The Village Voice. [92] [93] L'intérêt de George Harrison pour la musique indienne a popularisé le genre au milieu des années 1960 avec des chansons telles que "Love You To", "Tomorrow Never Knows" (crédité à Lennon-McCartney), "Within You Without You" et "La Lumière Intérieure". [94] [95] [96] Les groupes rock des années soixante ont à leur tour influencé des groupes britanniques et américains et des groupes indiens pour développer une forme ultérieure de rock indien.

Musique classique occidentale

Le suivi de la musique classique occidentale en Inde est presque entièrement inexistant. Il est principalement fréquenté par la communauté zoroastrienne indienne, la communauté chrétienne protestante de Chennai et de Bangalore et de petits groupes ésotériques ayant une exposition historique à la musique classique occidentale. L'éducation musicale occidentale est également rare en Inde. L'enseignement occidental du clavier, de la batterie et de la guitare est une exception car il a trouvé un certain intérêt principalement dans un effort pour créer des musiciens au service de la musique indienne populaire contemporaine. Malgré plus d'un siècle d'exposition à la musique classique occidentale et deux siècles de colonialisme britannique, la musique classique en Inde n'a jamais gagné qu'une popularité « marginale ». [ citation requise ] .

Cependant, l'enseignement de la musique classique occidentale s'est amélioré avec l'aide de certaines institutions en Inde, dont le KM Music Conservatory (fondé par le compositeur oscarisé ARRahman), la Calcutta School of Music, Eastern Fare Music Foundation, [97] En 1930, Mehli Mehta fonder l'Orchestre symphonique de Bombay. [98] Son fils Zubin Mehta a connu une longue carrière internationale de chef d'orchestre. L'orchestre de chambre de Bombay [99] (BCO) a été fondé en 1962. École de musique de Delhi, Académie de musique de Delhi, Guitarmonk et d'autres soutenant la musique classique occidentale. [ citation requise ] . En 2006, l'Orchestre symphonique de l'Inde a été fondé, hébergé au NCPA à Mumbai.Il est aujourd'hui le seul orchestre symphonique professionnel en Inde et présente deux saisons de concerts par an, avec des chefs d'orchestre et des solistes de renommée mondiale.

Selon l'ONU, la diaspora indienne est la plus grande diaspora d'outre-mer au monde avec 17,5 millions de migrants internationaux d'origine indienne à travers le monde, [100] qui contribuent à répandre le soft power mondial de l'Inde. [101]

Influence sur d'autres genres

Influence ancienne sur le genre musical d'Asie du Sud-Est

Avec l'expansion de l'influence culturelle de l'Indosphère de la Grande Inde, [103] par la transmission de l'hindouisme en Asie du Sud-Est [104] [105] [106] et la transmission du bouddhisme par la route de la soie [107] [108] conduisant à l'indianisation de l'Asie du Sud-Est par la formation des royaumes indianisés non indiens d'Asie du Sud-Est [109] qui ont adopté la langue sanskritisée [110] et d'autres éléments indiens [111] tels que les titres honorifiques, la désignation des personnes, la désignation des lieux, les devises des organisations et des établissements d'enseignement ainsi que l'adoption de l'architecture indienne, des arts martiaux, de la musique et de la danse indiennes, des vêtements traditionnels indiens et de la cuisine indienne, un processus qui a également été facilité par l'expansion historique en cours de la diaspora indienne. [101]

Musique indonésienne et malaise

Dans la musique indonésienne et malaisienne, le Dangdut, un genre de musique folklorique, est en partie dérivé et fusionné de la musique hindoustani. Il est très populaire en raison de son instrumentation mélodieuse et de sa voix. Dangdut propose un rythme tabla et gendang. [112] [113] Les indonésiens dansent quelque peu de manière similaire au ghoomar en écoutant de la musique dangdut, mais dans une version beaucoup plus lente.

Musique thaïlandaise

La littérature et le théâtre thaïlandais s'inspirent grandement des arts indiens et des légendes hindoues. Epic of Ramayana est aussi populaire en Thaïlande que le Ramakien. Deux des danses classiques thaïlandaises les plus populaires, le Khon, interprété par des hommes portant des masques féroces, et le Lakhon (Lakhon nai, Lakhon chatri et Lakhon nok), interprétés par des femmes qui jouent à la fois des rôles masculins et féminins, s'inspirent principalement du Ramakien. Des percussions et Piphat, une sorte de bois, accompagnent la danse. [114] Nang talung, un théâtre d'ombres thaïlandais inspiré du Bommalattam de l'Inde du Sud, a des ombres faites à partir de morceaux de peau de vache ou de buffle d'eau découpés pour représenter des figures humaines avec des bras et des jambes mobiles qui sont projetées sur un écran pour le divertissement des spectateurs.

Philippines
  • Épopées et chants philippins inspirés des épopées religieuses hindoues indiennes Ramayana et Mahabharta.
      du peuple Ifugao de la région administrative de la Cordillère sur l'île de Luzon aux Philippines, 11 chefs-d'œuvre du patrimoine oral et immatériel de l'humanité en 2001 et officiellement inscrits au patrimoine culturel immatériel de l'UNESCO en 2008. Voir aussi Hudhud - l'épopée Ifugao. (Anglais : "La vie de Lam-ang") est un poème épique du peuple Ilocano de la région d'Ilocos. épopée de la région de Bikol au sud-est de Luçon.
  • "Aginid, Bayok sa atong Tawarik", une épopée bisaya de Cebu.
  • Bayok, une épopée du peuple Marano du nord-ouest de Mindanao.
    • , guitare philippine native des peuples Maranao, Manobo et Maguindanao, est influencée par les concepts de la musique classique indienne de mélodie et d'échelle.

    Fusion avec la musique traditionnelle d'autres nations

    Parfois, la musique de l'Inde fusionne avec la musique traditionnelle indigène d'autres pays. Par exemple, Delhi 2 Dublin, un groupe basé au Canada, est connu pour fusionner la musique indienne et irlandaise, et Bhangraton est une fusion de la musique Bhangra et du reggaeton. [115]

    Musiques du monde occidentales

    Musique de film

    Le compositeur indien A. R. Rahman a écrit la musique du film d'Andrew Lloyd Webber Bombay Rêves, et une version musicale de Hum Aapke Hain Koun a été mis en scène dans le West End de Londres. Le film sportif de Bollywood Lagaan (2001) a été nominé pour l'Oscar du meilleur film en langue étrangère et deux autres films de Bollywood (2002 Devdas et 2006 Rang De Basanti) ont été nominés pour le BAFTA Award du meilleur film non de langue anglaise.

    celui de Danny Boyle Slumdog Millionaire (2008) a été inspiré par les films de Bollywood. [116] [117]

    Hip-hop et reggae

    Bhangraton est une fusion de la musique Bhangra avec le reggaeton, qui lui-même est une fusion de hip hop, de reggae et de musique traditionnelle latino-américaine. [115]

    Au début des années 1960, des pionniers du jazz tels que John Coltrane, qui a enregistré une composition intitulée "India" lors des sessions de novembre 1961 pour son album Vivre au Village Vanguard (le morceau n'est sorti qu'en 1963 sur l'album de Coltrane Impressions) - a également embrassé cette fusion. George Harrison (des Beatles) a joué le sitar sur la chanson "Norwegian Wood (This Bird Has Flyn)" en 1965, qui a suscité l'intérêt de Shankar, qui a ensuite pris Harrison comme apprenti. L'innovateur du jazz Miles Davis a enregistré et joué avec des musiciens comme Khalil Balakrishna, Bihari Sharma et Badal Roy dans ses ensembles électriques post-1968. Le guitariste de jazz virtuose John McLaughlin a passé plusieurs années à Madurai à apprendre la musique carnatique et l'a incorporée dans plusieurs de ses actes, y compris Shakti qui mettait en vedette d'éminents musiciens indiens. D'autres artistes occidentaux tels que le Grateful Dead, l'Incredible String Band, les Rolling Stones, le Move and Traffic ont rapidement incorporé des influences et des instruments indiens, et ont ajouté des interprètes indiens. Le légendaire chanteur de Grateful Dead, Jerry Garcia, a rejoint le guitariste Sanjay Mishra sur son CD classique "Blue Incantation" (1995). Mishra a également écrit une partition originale pour le réalisateur français Eric Heumann pour son film Port Djéma (1996) qui a remporté le meilleur score au festival du film des Hamptons et L'Ours d'or à Berlin. en 2000, il a enregistré Porter secours avec le batteur Dennis Chambers (Carlos Santana, John McLaughlin et al.) et en 2006 Chateau Benares avec comme invités DJ Logic et Keller Williams (guitare et basse).

    Film musical

    Depuis le début des années 2000, Bollywood a commencé à influencer les films musicaux dans le monde occidental et a joué un rôle déterminant dans la relance du film musical américain. Baz Luhrmann a dit que son film musical, Moulin Rouge! (2001), a été inspiré par les comédies musicales de Bollywood [118] le film a incorporé une scène de danse de style Bollywood avec une chanson du film Porte de Chine. Le succès critique et financier de Moulin Rouge! a commencé une renaissance des films musicaux occidentaux tels que Chicago, Louer, et Filles de rêve. [119]

    Musique psychédélique et trance
    Rock and roll

    À la fin des années 1970 et au début des années 1980, les fusions rock and roll avec la musique indienne étaient bien connues dans toute l'Europe et l'Amérique du Nord. La performance d'Ali Akbar Khan en 1955 aux États-Unis était peut-être le début de cette tendance. En 1985, un hybride Raga Rock orienté beat appelé Sitar Power par Ashwin Batish a réintroduit le sitar dans les pays occidentaux. Sitar Power a attiré l'attention d'un certain nombre de maisons de disques et a été recruté par Shanachie Records du New Jersey pour diriger leur division World Beat Ethno Pop.

    Technopop

    L'influence de filme peut être vu dans la musique populaire du monde entier. Les pionniers de la technopop Haruomi Hosono et Ryuichi Sakamoto du Yellow Magic Orchestra ont produit un album électronique de 1978, Lune de Cochin, basé sur une fusion expérimentale de musique électronique et de musique indienne inspirée de Bollywood. [120] La chanson de 2002 de Truth Hurts « Addictive », produite par DJ Quik et Dr. Dre, a été tirée de « Thoda Resham Lagta Hai » de Lata Mangeshkar dans Jyoti (1981). [121] La chanson "Don't Phunk with My Heart" des Black Eyed Peas, qui a remporté un Grammy Award en 2005, a été inspirée par deux chansons de Bollywood des années 1970 : "Ye Mera Dil Yaar Ka Diwana" de enfiler (1978) et "Ae Nujawan Hai Sub" de Apradh (1972). [122] Les deux chansons ont été composées par Kalyanji Anandji, chantées par Asha Bhosle et ont présenté la danseuse Helen. [123]

    Musique classique occidentale

    Certains Indiens éminents dans la musique classique occidentale sont :

      - chef d'orchestre et professeur de musique, , chef d'orchestre , père de Zubin, violoniste et chef d'orchestre fondateur de l'Orchestre symphonique de Bombay , pianiste , le premier Indien à composer une symphonie complète interprétée par le Royal Philharmonic Orchestra au Walthamstow Town Hall de Londres , compositeur britannique né en Inde , compositeur britannique d'origine indienne , compositeur d'origine indienne , compositeur d'origine indienne de SHABD ITNA PYARA https://soundcloud.com/futuresoundmumbai/shabd-itna-pyara

    Influence sur la scène musicale nationale

    Bollywood a été une forme importante de soft power pour l'Inde, augmentant son influence et changeant les perceptions à l'étranger de l'Inde. [124] [125] Selon l'auteur Roopa Swaminathan, "le cinéma de Bollywood est l'un des ambassadeurs culturels mondiaux les plus forts d'une nouvelle Inde." [125] [126] Son rôle dans l'expansion de l'influence mondiale de l'Inde est comparable au rôle similaire d'Hollywood avec l'influence américaine. [127]

    Afrique

    Les films en hindi étaient à l'origine distribués dans certaines régions d'Afrique par des hommes d'affaires libanais, et Mère Inde (1957) a continué à être projeté au Nigeria des décennies après sa sortie. Les films indiens ont influencé les vêtements haoussa, les chansons ont été reprises par des chanteurs haoussas et les histoires ont influencé les romanciers nigérians. Des autocollants de films et de stars indiens décorent les taxis et les bus de la région nord du Nigeria, et des affiches de films indiens sont accrochées aux murs des ateliers de couture et des garages de mécaniciens. [129]

    En Afrique du Sud, les importations de films en provenance d'Inde ont été regardées par des publics noirs et indiens. [130] Plusieurs personnalités de Bollywood ont voyagé en Afrique pour des films et des projets hors caméra. Padmashree Laloo Prasad Yadav (2005) a été tourné en Afrique du Sud. [131] Dil Jo Bhi Kahey. (2005) a également été filmé presque entièrement à Maurice, qui compte une importante population ethnique indienne.

    En Égypte, les films de Bollywood étaient populaires dans les années 1970 et 1980. [132] [133] Amitabh Bachchan est resté populaire dans le pays [134] et on demande aux touristes indiens visitant l'Égypte : « Connaissez-vous Amitabh Bachchan ? [135]

    Amériques

    Caraïbes

    La musique indo-caribéenne des peuples indo-caribéens dans les Caraïbes est plus courante à Trinité-et-Tobago, en Guyane, en Jamaïque et au Suriname, ce qui reflète leur héritage Bhojpuri. L'instrumentation principale est le dhantal, la tige métallique, le battant, le dholak, le tambour à deux têtes. Les femmes chantent des bhajans hindous et des chansons folkloriques de la musique de Bhojpur lors de divers événements importants de la vie, rituels, célébrations, festivals comme phagwah et holi. Les contributions indo-caribéennes à la musique populaire sont très importantes. Le plus connu est l'Indo-Trinidadien musique chutney tradition. Le chutney est une forme de musique de danse populaire qui s'est développée entre le milieu et la fin du 20e siècle. Baithak Gana est une forme populaire similaire originaire du Suriname. [136] [137]

    L'Amérique latine

    Il existe d'importantes communautés de la diaspora indienne au Suriname [138] et en Guyane, la musique indienne et les films en hindi sont populaires. [139] En 2006, Maudit 2 est devenu le premier film de Bollywood à être tourné à Rio de Janeiro. [140]

    Amérique du Nord

    Au cours du nouveau millénaire, le hip-hop américain a présenté des films indiens et des bhangra. Les artistes hip-hop traditionnels ont échantillonné des chansons de films de Bollywood et ont collaboré avec des artistes indiens. Les exemples incluent "Indian Flute" de Timbaland, "React" d'Erick Sermon et Redman, "Disco" de Slum Village et la chanson à succès de Truth Hurts "Addictive", qui a échantillonné une chanson de Lata Mangeshkar, et The Black Eyed Peas a échantillonné la chanson d'Asha Bhosle "Yeh Mera Dil" dans leur single "Don't Phunk With My Heart". En 1997, le groupe britannique Cornershop a rendu hommage à Asha Bhosle avec sa chanson Plein d'Asha, qui est devenu un succès international. L'artiste indien d'origine britannique Panjabi MC a également eu un succès Bhangra aux États-Unis avec "Mundian To Bach Ke" qui mettait en vedette le rappeur Jay-Z. L'Asian Dub Foundation ne sont pas de grandes stars du grand public, mais leur son influencé par le rap et le punk rock politiquement chargé a un public multiracial dans leur Royaume-Uni natal. En 2008, la star internationale Snoop Dogg est apparue dans une chanson du film Singh Is Kinng. En 2007, le producteur de hip-hop Madlib a sorti Beat Konducta Vol 3–4: Beat Konducta in India, un album qui sample fortement et s'inspire de la musique indienne.

    Asie du sud

    En raison du partage du patrimoine culturel et de la langue, la musique indienne et les films de Bollywood sont également populaires en Afghanistan, au Pakistan, au Bangladesh et au Népal, où l'hindoustani est largement compris. [141] [142]

    Asie du sud est
    Asie de l'Ouest

    L'Asie occidentale compte une importante population de la diaspora indienne, qui consomme principalement de la musique indienne. La musique indienne est également populaire auprès des natifs du Moyen-Orient. 85 % de la population du Qatar et 75 % de la population totale des Émirats arabes unis sont des citoyens indiens. [143] Les films et la musique hindi sont devenus populaires dans les pays arabes, [144] et les films indiens importés sont généralement sous-titrés en arabe lorsqu'ils sortent. Bollywood a progressé en Israël depuis le début des années 2000, avec des chaînes dédiées aux films indiens à la télévision par câble [145]

    L'Europe 

    Allemagne

    En Allemagne, les stéréotypes indiens comprenaient des chars à bœufs, des mendiants, des vaches sacrées, des politiciens corrompus et des catastrophes avant que Bollywood et l'industrie informatique ne transforment les perceptions mondiales de l'Inde. [146]

    À la fin des années 1980, des artistes indo-britanniques ont fusionné les traditions indiennes et occidentales pour créer l'Asian Underground. Depuis les années 1990, le musicien d'origine canadienne Nadaka qui a passé la majeure partie de sa vie en Inde, a créé une musique qui est une fusion acoustique de la musique classique indienne avec des styles occidentaux. Un de ces chanteurs qui a fusionné la tradition indienne Bhakti sangeet avec la musique occidentale non indienne est Krishna Das et vend des disques de sa sadhana musicale. Un autre exemple est la musicienne indo-canadienne Vandana Vishwas qui a expérimenté la musique occidentale dans son album de 2013 Monologues.

    Dans un exemple plus récent de fusion indo-britannique, Laura Marling et Mumford and Sons ont collaboré en 2010 avec le Dharohar Project sur un EP de quatre chansons. [32] Le groupe britannique Bombay Bicycle Club a échantillonné aussi la chanson "Man Dole Mera Tan Dole" pour leur single "Feel". [147] Laxmikant-Pyarelal

    Océanie

    En raison de la grande population de la diaspora indienne, la musique et les films indiens sont très populaires aux Fidji, en particulier parmi les Indo-Fidjiens. [148]

    L'Australie et la Nouvelle-Zélande comptent 2% d'Indiens, ainsi qu'une grande diaspora sud-asiatique, et la musique et les films de Bollywood sont également populaires parmi les non-Asiatiques du pays. [148]

    Sangeet Natak Akademi est l'académie nationale des arts de la scène créée par le gouvernement indien en 1952, qui décerne le prix Sangeet Natak Akademi en tant que plus haute reconnaissance officielle du gouvernement indien accordée aux artistes en exercice, [149] Elle a créé plusieurs institutions dont le Manipur Académie de danse à Imphal, [150] Centres Ravindra Rangshala, [151] Centre Sattriya, Kathak Kendra (Institut national de danse kathak) à New Delhi, Centre pour Kutiyattam à Thiruvananthapuram, Centre Chhau à Baripada à Jamshedpur, Banaras Music Akademi,


    Expositions spéciales

    Granite Rock Company, fondée le 14 février 1900, est fière de sa riche histoire, parallèle à la croissance et au développement de la côte centrale de Californie. Au fil des ans, notre famille s'est inspirée des valeurs fondamentales établies à l'origine par Arthur Roberts Wilson. Avec une vision, une inspiration et une gestion remarquable, son petit-fils Bruce Wilson Woolpert a utilisé ces valeurs pour faire de l'entreprise une entreprise prospère et très respectée dans la région de San Francisco et de la baie de Monterey.

    L'entreprise conserve une riche collection de photographies et de documents historiques qui s'étendent sur des années. Ils révèlent les histoires des habitants de Graniterock, qui ont bâti une entreprise durable en subvenant aux besoins de leurs familles et en contribuant à leurs communautés.

    Le musée virtuel de Graniterock est une compilation des favoris de notre collection. Des photos et des documents de chaque décennie sont sélectionnés pour illustrer des personnes, des lieux et des événements importants de l'époque. De temps en temps, des collections spéciales seront ajoutées pour mettre en évidence des époques ou des intérêts particuliers.

    Nous apprécions les commentaires, les corrections et les ajouts à nos archives. La construction fait partie intégrante de l'histoire de notre région et nous sommes heureux de pouvoir partager notre histoire avec vous.

    En savoir plus sur l'histoire de Graniterock dans la brochure d'histoire et la brochure d'histoire de Redwood City

    Les racines de Granite Rock Company sont profondément ancrées dans l'histoire de la côte centrale de la Californie. En fait, son histoire a commencé il y a plus de 200 millions d'années, lorsqu'une masse de granit en fusion a commencé à remonter des profondeurs de la terre à travers le calcaire, le grès et l'argile sur le lit d'un ancien océan. Le granite s'est refroidi, contracté et fissuré, et s'est plié, brisé, écrasé et soulevé alors que la plaque du Pacifique dérivait lentement vers le nord. L'emplacement fortuit du granit directement sur la faille de San Andreas faciliterait l'exploitation future de cette roche pré-fracturée.

    En 1769, l'expédition de Portola campa sur la rivière Pajaro et remarqua les arbres géants au bois rouge poussant à proximité, mais son gisement de granit ne serait pas remarqué avant 102 ans. En 1871, alors qu'ils traçaient le chemin de fer côtier du Southern Pacific près de Chittenden Pass, à neuf milles à l'est de la ville de Watsonville, les ingénieurs trouvèrent du granit sur leur chemin. Il était parfait pour être utilisé comme ballast pour former des lits de chemin de fer alors que la voie était posée dans tout l'État.

    Dans la foulée de la ruée vers l'or, des aventuriers arrivaient en Occident à la recherche d'une nouvelle vie. L'adolescente Joanna McIntyre a traversé l'isthme de Panama en provenance du Kentucky et, en Californie, elle a rencontré et épousé Enoch Wilson, un commerçant de San Francisco. Ils ont envoyé leur fils Arthur étudier l'ingénierie au Massachusetts Institute of Technology. Arthur Roberts Wilson a obtenu son diplôme avec la promotion du MIT en 1890 et est retourné en Californie pour commencer sa carrière d'ingénieur en construction. Il a exercé les fonctions d'ingénieur civil d'Oakland City et a dirigé la carrière Leona Heights d'Oakland. Pendant ce temps, dans le comté de Santa Cruz, un autre jeune homme nommé Warren Porter a vu une bonne opportunité commerciale dans la petite carrière de granit d'Aromas. Il a demandé à Wilson de se joindre à lui pour acheter la carrière et de l'exploiter également. A.R. Wilson a emprunté 10 000 $, a déménagé avec sa femme et ses enfants à Watsonville et a constitué la Granite Rock Company le 14 février 1900.

    Au début, l'exploitation des carrières était difficile. Les hommes utilisaient des masses, des pioches, des pelles et des brouettes pour casser et charger des pierres sur des wagons tirés par des chevaux pour le trajet jusqu'à la ligne de chemin de fer. Les travailleurs étaient payés 1,75 $ par jour de dix heures pour produire 12 tonnes de roche brisée de 6 pouces et moins. Les hommes dormaient au dortoir de la carrière et mangeaient à la cuisine. Le petit déjeuner était servi à 5 heures du matin. – les travaux ont commencé à 6 heures du matin. Le soulagement est venu en 1903 lorsque la carrière a été automatisée avec un concasseur McCully n ° 3 à vapeur. Il produisait 20 tonnes de roche de 2 ½ pouces par heure. Le granit était transporté du front de taille dans des wagons à déchargement latéral tirés par des chevaux, toujours chargés à la main.

    Puis la catastrophe a frappé. La faille de San Andreas avait créé la carrière, et maintenant elle a détruit ce qui se trouvait sur son passage. Le tremblement de terre de 1906 a rasé la nouvelle usine de concassage à la vapeur et a mis un terme aux opérations. Les rails des trains ont été tordus, les wagons se sont renversés et l'exploitation de la carrière a généralement été dévastée. A.R.Wilson a rejoint l'effort de secours en cas de catastrophe et a transporté tout le pain qu'il pouvait trouver pour aider les citoyens affamés de San Francisco. Heureusement, la dévastation du tremblement de terre a créé une nouvelle demande de construction. Granite Rock Company, avec la licence d'entrepreneur de l'État de Californie n° 22, a construit un certain nombre de bâtiments importants à San Francisco et dans la région de la baie de Monterey. Parmi ceux encore debout se trouvent l'ancien hôtel de ville de Gilroy et l'ancien San Francisco Wells Fargo Building.

    Alors que les automobiles ont commencé à remplacer le cheval et le buggy, le pavage des rues est devenu une nécessité. Granite Rock Company a reçu son premier contrat de rue pour le placement de macadam de liaison d'eau sur Lake Avenue à Watsonville, de Walker Street aux limites nord-est de la ville. Le contrat total, y compris le nivellement et les caniveaux, s'élevait à 18 000 $. En 1915, la législature de l'État de Californie a adopté un projet de loi connu sous le nom de « Get Out of the Mud Act » pour encourager la modernisation des rues, et les vendeurs de Granite Rock étaient occupés à signer des quartiers pour paver leurs rues.

    À la carrière Aromas, une pelle à vapeur Marion a été achetée pour mécaniser davantage les opérations et, en 1911, les charrettes tirées par des chevaux ont été remplacées par une locomotive à vapeur Porter pour transporter la roche brisée du front de taille au concasseur. La roche a été chargée sur des wagons à parois en bois Western Dump, et des hommes ont grimpé pour casser les grosses roches avec un marteau. Si le rocher ne se brisait pas, il était jeté pour que l'équipe de poudre le dynamite. Lors de l'exposition Panama Pacific de 1915 à San Francisco, Granite Rock Company a remporté le ruban d'or pour l'excellence de la roche concassée.

    La Première Guerre mondiale a fait monter en flèche les coûts de transport et, par conséquent, des usines locales ont été développées afin que la roche puisse être vendue dans de petits lots de camions. Granite Rock Company a construit des bunkers le long de la voie ferrée de South San Francisco à San Luis Obispo pour approvisionner les entreprises de construction locales. La construction était en plein essor dans toute la Californie et Granite Rock Company se développait avec les besoins croissants de l'État. En 1916, un chemin de fer a été construit vers les champs pétrolifères de Doheny, dans le sud de la Californie, et Granite Rock a envoyé des hommes et des machines aussi loin au sud que Santa Maria pour faire le travail. En 1918, Granite Rock a construit la route reliant Castroville à Moss Landing. Un ouvrier de Salinas nommé John Steinbeck était employé à cet emploi du « boulevard du chou-fleur ».

    En 1922, A.R. Wilson est devenu président et actionnaire majoritaire de Granite Rock Company. Cette année-là également, Wilson a fondé Granite Construction Company en tant qu'entité distincte et en est devenu le premier président. En 1924, Wilson créa Central Supply Company, qui distribuait des matériaux de construction. Granite Rock Company est restée le producteur de produits de roche et de sable pour les projets de construction et la vente de matériaux. Toujours en 1922, Wilson, 56 ans, récemment veuf, épousa Anna R. Weiss de St. Louis, Missouri et commença à élever une nouvelle famille. Pendant ce temps, le fils d'A.R., A.J. « Jeff » Wilson, a assumé la vice-présidence de Granite Rock. Tout allait bien jusqu'au jour où, en rentrant du travail à la carrière, A.R. Wilson a subi une crise cardiaque massive et est décédé. Son épouse Anna, maintenant âgée de 43 ans et avec deux enfants en bas âge à élever, a assumé la présidence de l'entreprise et Jeff Wilson a pris la direction générale. Tout cela a eu lieu dix jours seulement avant le krach boursier de 1929.

    La Grande Dépression a eu de lourdes conséquences sur les entreprises américaines, et Granite Rock ne faisait pas exception. Le travail était si rare à la carrière qu'un coup de sifflet a été donné pour appeler les hommes lorsqu'une seule voiture de pierre a été commandée. Le conseil d'administration a dû demander l'autorisation de la Federal Reserve Bank afin d'accorder des bonus de Noël. Incapable d'offrir un emploi régulier, l'entreprise a consenti des prêts sans intérêt pour couvrir les frais médicaux. Luttant pour maintenir ses trois sociétés à flot, la famille Wilson a vendu sa participation dans Granite Construction à Walter Wilkinson et Bert Scott en 1936. Les succursales de Central Supply Company de South San Francisco, San Jose et San Luis Obispo ont également été vendues.

    Cependant, dans les années 1930, des progrès ont eu lieu. Central Supply Company a ouvert la première usine de béton bitumineux de Californie à Aromas et a commencé la première livraison de béton prémélangé en Californie dans de minuscules camions à benne basculante. Ce béton a été utilisé pour des projets tels que la construction de l'Auditorium civique de Santa Cruz par la WPA. La Seconde Guerre mondiale a apporté une nouvelle activité à Granite Rock. Des matériaux étaient nécessaires pour construire Fort Ord, Camp McQuaide et la piste d'atterrissage de la Navy à Watsonville. Beaucoup d'hommes servaient dans les forces armées et travaillaient dans des usines de guerre, alors des travailleurs sont venus de Jamaïque, et pour la première fois, ne serait-ce que temporairement, des femmes ont été employées à la carrière. Une nouvelle usine a été construite à Asilomar à Pacific Grove, et l'excavation de la face minière de la carrière Aromas l'a fait descendre de 100 pieds, maintenant au niveau de la voie ferrée. Une nouvelle usine de concassage primaire a été construite au niveau inférieur, avec une grande ouverture en 1946.

    Au début des années 1950, Jeff Wilson avait quitté Granite Rock et Anna Wilson avait pris sa retraite. Sa fille, Mary Elizabeth (Betsy) Wilson Woolpert, a pris la présidence. Encore une fois, c'était le temps de la croissance. Des usines de traitement par voie humide et de chargement ont été construites à Aromas, et de nouvelles usines ont été construites à Salinas, Felton, Santa Cruz et Los Gatos. Central Supply a acheté sa première flotte de camions malaxeurs à Ford Motor Company à Salinas. Betsy Woolpert avait deux jeunes enfants à la maison et a confié la présidence de l'entreprise à son mari, Bruce G. Woolpert.

    Au cours des années 1960 et 1970, Granite Rock a grandi avec le formidable développement des régions de Monterey et de la baie de San Francisco. Central Supply a fusionné avec Granite Rock pour former une seule entreprise pour la production et la vente de matériaux de construction, et l'expansion a eu lieu dans les opérations de sable, de béton, de béton asphaltique et de matériaux de construction. Des usines ont été ouvertes à San Jose, Redwood City, Santa Cruz, Gilroy, Hollister, Salinas et Seaside. Dans l'air du temps, Graniterock installe son premier ordinateur, un IBM System 3. Dans les années 1980, l'entreprise entreprend un investissement majeur pour moderniser complètement les opérations de la carrière d'Aromas. Tout d'abord, un concasseur primaire mobile géant a été conçu et construit - le plus grand du monde en son genre. Des convoyeurs ont été installés pour transporter la roche du concasseur primaire vers une nouvelle station de lavage et des concasseurs secondaires. Enfin, un système informatisé innovant de chargement de camions et de wagons a été dévoilé à l'A.R. rebaptisé. Carrière Wilson.

    Les années 90 ont apporté encore plus d'innovation. La division Graniterock Construction est rapidement devenue l'un des principaux entrepreneurs en ingénierie lourde de Californie. De nouvelles opérations de béton, de sable et de recyclage ont été ajoutées à la famille Graniterock. Mais le plus important a peut-être été une nouvelle concentration sur la satisfaction des besoins des clients en fournissant un service précis, rapide et flexible. L'attention portée au développement personnel et à l'autonomisation de Graniterock People a également amélioré la qualité et l'assistance à la clientèle. Graniterock a été récompensée pour ses réalisations par des prix d'excellence en matière de gestion et de pratiques commerciales, notamment en 1992 avec le Malcolm Baldridge National Quality Award, la plus haute distinction nationale pour l'excellence en affaires. Le magazine Fortune a placé Graniterock sur sa liste annuelle des 100 meilleurs lieux de travail du pays. L'engagement envers le service communautaire, toujours une priorité de l'entreprise, a été exprimé de nouvelles manières, telles que les concerts du jour de l'indépendance « Pops and Rocks » au profit de Centraide, et le soutien à l'excellence dans l'éducation dans les écoles publiques du comté de Santa Cruz.

    Le 14 février 2000, A.R. Le petit-fils de Wilson, Bruce Wilson Woolpert, a accueilli le président George H.W. Bush, Graniterock Les gens, les clients et les amis à un gala du 100e anniversaire. En préparation pour un nouveau millénaire, de vastes bureaux d'entreprise ont été ouverts à Watsonville en 2002, et des sites d'entreprise ont été ajoutés à Oakland, Cupertino et Milpitas. Un site Web Graniterock a apporté des informations à un nouveau monde de clients, et les innovations techniques ont été appliquées de manière toujours plus créative. Au cours de cette décennie, une gamme impressionnante de systèmes révolutionnaires a été développée pour améliorer la productivité et le service client. Le système de chargement de camion automatisé de pointe GraniteXpress 2 ™ a éliminé le temps d'attente des clients et a fourni aux clients les avantages de rapports de quantité et de productivité à la minute près sur les sites de carrière et d'asphalte. Un système de vente et de facturation unique a consolidé les factures de toutes les gammes de produits, et une recherche et un développement technologiques axés sur la qualité ont fourni aux entrepreneurs et aux propriétaires les résultats de performance qu'ils souhaitaient. La préoccupation de Graniterock pour l'environnement a été récompensée pour la gestion communautaire, et le leadership en matière de technologie verte a aidé à résoudre les problèmes des clients d'une manière respectueuse de l'environnement.

    Aujourd'hui, toujours une entreprise familiale, les emplacements Graniterock s'étendent d'Oakland à Monterey. Les valeurs de qualité, d'innovation et de respect des personnes qui ont d'abord été établies par le fondateur de l'entreprise, Arthur R. Wilson, continuent de guider Graniterock vers l'avenir.


    Adhésion

    L'élection à l'adhésion à la NAS est considérée comme l'une des plus hautes distinctions qu'un scientifique puisse recevoir. En savoir plus sur nos membres et leurs contributions à la science.

    Membre vedette : Arup Chakraborty utilise des méthodes de mécanique statistique pour prédire les caractéristiques des antigènes optimaux pour les vaccins « universels » contre les virus à mutation rapide.


    Étymologie

    Le mot musée a des origines classiques. Dans sa forme grecque, souris, il signifiait « siège des Muses » et désignait une institution philosophique ou un lieu de contemplation. Utilisation de la dérivation latine, musée, semble avoir été restreint à l'époque romaine principalement aux lieux de discussion philosophique. Ainsi, le grand musée d'Alexandrie, fondé par Ptolémée Ier Soter au début du IIIe siècle av. Le mot musée a été relancé dans l'Europe du XVe siècle pour décrire la collection de Lorenzo de' Medici à Florence, mais le terme véhiculait le concept d'intégralité plutôt que de désigner un bâtiment. Au XVIIe siècle, musée était utilisé en Europe pour décrire des collections de curiosités. La collection d'Ole Worm à Copenhague s'appelait ainsi, et en Angleterre, les visiteurs de la collection de John Tradescant à Lambeth (maintenant un arrondissement de Londres) appelaient le tableau là un musée le catalogue de cette collection, publié en 1656, était intitulé Musée Tradescantianum. En 1675, la collection, devenue la propriété d'Elias Ashmole, fut transférée à l'Université d'Oxford. Un bâtiment a été construit pour le recevoir, et ce, peu de temps après son ouverture au public en 1683, est devenu connu sous le nom de Musée Ashmolean. Bien qu'il existe une certaine ambivalence dans l'utilisation de musée dans la législation, rédigée en 1753, fondant le British Museum, néanmoins l'idée d'une institution appelée musée et établie pour préserver et exposer une collection au public était bien établie au XVIIIe siècle. En effet, Denis Diderot a esquissé le schéma détaillé d'un musée national pour la France dans le neuvième volume de son Encyclopédie, publié en 1765.

    Utilisation du mot musée pendant le 19ème et la majeure partie du 20ème siècle dénotait un bâtiment abritant du matériel culturel auquel le public avait accès. Plus tard, alors que les musées continuaient de répondre aux sociétés qui les avaient créés, l'accent mis sur le bâtiment lui-même est devenu moins dominant. Les musées à ciel ouvert, constitués d'une série de bâtiments conservés comme objets, et les écomusées, impliquant l'interprétation de tous les aspects d'un environnement extérieur, en sont des exemples. De plus, des musées dits virtuels existent sous forme électronique sur Internet. Bien que les musées virtuels offrent des opportunités intéressantes et apportent certains avantages aux musées existants, ils restent dépendants de la collecte, de la préservation et de l'interprétation des choses matérielles par le musée réel.


    L'ère védique

    A l'époque védique, l'élection du roi était entre les mains du peuple. Dr K.P. Jayaswal est brillant Politique hindoue contient de riches descriptions de ce processus électoral. Autant dire que chaque village, ville et ville avait des salles publiques (semblables aux hôtels de ville modernes). Les villageois et les citadins s'y réunissaient régulièrement pour discuter de questions d'importance publique. Ces salles servaient également de lieu de rassemblements sociaux généraux. Des débats animés ont eu lieu. Les problèmes locaux et non locaux ont été réglés après des discussions animées qui ont parfois duré des semaines. Ces salles étaient également des lieux de concours verbaux. Les Tattiriya Brahmana a un verset brillant qui encourage les jeunes hommes à participer activement aux assemblées publiques et à exprimer leur opinion sur les questions sociales et nationales sans crainte.

    Le roi a soigneusement compilé les comptes rendus de tous ces débats et a généralement suivi le courant de l'opinion publique. Plus important encore, il consulterait les personnes éminentes et sages de son royaume avant de mettre en œuvre une politique qui, selon lui, irait à l'encontre de l'opinion publique.

    Ces principes fondamentaux ont perduré tout au long de notre histoire, comme nous le verrons.


    L'HISTOIRE

    Le programme d'études en littérature indonésienne est le premier programme d'études établi depuis le début de la création de la Faculté de littérature, qui à l'époque s'appelait Faculté de littérature et de culture. L'établissement de ce programme d'études ainsi que de la faculté s'écarte de l'idée d'établissement telle qu'énoncée dans l'examen de l'arrêté du recteur de l'UNDIP n° 626/Sp/Adm/BUP/1965 du 25 janvier 1965 concernant l'établissement de la Comité d'établissement de la Faculté des lettres qui a rédigé ce qui suit :

    "Le Java central est une région riche en sources historiques, culturelles et littéraires indonésiennes."

    Grâce au travail acharné du comité dirigé par le professeur Soenario SH, cette faculté a été créée le 1er septembre 1965 avec le décret ministériel PTIP n ° 173/1965 du 21 août 1965 avec un programme d'études ou un département, à savoir le département d'indonésiologie . Le département a été créé dans l'espoir que les diplômés soient en mesure d'effectuer une recherche et d'élargir leurs connaissances sur la littérature, la langue, l'histoire et la culture indonésiennes dans l'espoir qu'il puisse être largement connu de la communauté internationale. Conformément à l'évolution et à l'orientation de l'époque, la Faculté des lettres et de la culture a créé un nouveau département, à savoir : Le Département d'Anglo-Saxon (1967) et le Département d'Histoire (1974). Le département d'indonésiologie s'est ensuite transformé en littérature indonésienne, le département d'anglo-saxon a également changé en département d'anglais et le département d'histoire a été transformé en département d'histoire. La détermination du département d'indonésiologie était basée sur le décret du PTIP n° 173/1965. Cependant, le nouveau certificat du département de littérature indonésienne a été confirmé par le directeur général de l'enseignement supérieur le 11 juillet 1996 n° 220 / Dikti / Kep / 96.

    Sur la base du certificat d'accréditation délivré par le Conseil national d'accréditation de la République d'Indonésie n° 773 / SK / BAN-PT / Accrédité / S / VII / 2015, il a été décidé que le programme de licence en langue et littérature indonésiennes était accrédité avec un rang A.

    List of site sources >>>


    Voir la vidéo: The Hindu Interpretation of Creation. The Story of God (Janvier 2022).