Podcasts sur l'histoire

Comment les musiciens de la Grèce antique accordaient-ils leurs instruments ?

Comment les musiciens de la Grèce antique accordaient-ils leurs instruments ?


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Je ne suis pas une personne musicale, en fait j'essaie d'apprendre la guitare maintenant, ce qui m'a en quelque sorte fait penser à cette question. Comment les Grecs, ou d'autres peuples anciens, accordaient-ils leurs instruments de musique ? D'après des recherches sommaires, les gens disent qu'ils se sont simplement assurés qu'ils étaient en accord relatif les uns avec les autres ou qu'ils ont utilisé un diapason, mais s'il s'agissait d'un diapason, comment savaient-ils que le diapason était le bon ton ?


Musique grecque antique

Musique (ou souris) faisait partie intégrante de la vie dans le monde grec antique, et le terme couvrait non seulement la musique mais aussi la danse, les paroles et l'interprétation de la poésie. Une large gamme d'instruments a été utilisée pour interpréter de la musique qui a été jouée à toutes sortes d'occasions telles que des cérémonies religieuses, des festivals, des beuveries privées (colloques), les mariages, les funérailles et lors d'activités sportives et militaires. La musique était également un élément important de l'éducation et des représentations théâtrales grecques organisées dans des théâtres tels que des pièces de théâtre, des récitals et des compétitions.

Origines musicales

Pour les anciens Grecs, la musique était considérée littéralement comme un cadeau des dieux. L'invention d'instruments spécifiques est attribuée à des divinités particulières : Hermès la lyre, Pan la syrinx (flèche de pan) et Athéna la aulos (flûte). Dans la mythologie grecque, les Muses personnifiaient les divers éléments de la musique (au sens grec large du terme) et étaient censées divertir les dieux sur le mont Olympe avec leur musique divine, leurs danses et leurs chants. D'autres figures mythiques fortement associées à la musique sont le dieu du vin Dionysos et ses disciples les satyres et les ménades. Amphion et Thamyres étaient tous deux célèbres pour leur talent à jouer du kithara (guitare) tandis qu'Orphée était célébré comme un magnifique chanteur et joueur de lyre.

Publicité

Les plus anciens instruments de musique grecs survivants sont en os auloi qui datent de l'âge néolithique (7e-4e millénaire avant notre ère) et ont été trouvés en Macédoine occidentale, en Thessalie et à Mykonos. Les trois grandes civilisations de l'âge du bronze dans la mer Égée (3000 à 1000 avant notre ère), les civilisations cycladique, minoenne et mycénienne, fournissent toutes des preuves physiques de l'importance de la musique dans leurs cultures respectives. Les figurines en marbre des Cyclades représentent les joueurs des deux aulos et la harpe. L'écriture hiéroglyphique crétoise a trois symboles qui sont des instruments de musique - deux types de harpe et un sistre (ou hochet, originaire d'Egypte). Une lyre d'albâtre décorée de têtes de cygne survit à Knossos et une fresque à Akrotiri sur Thera représente un singe bleu jouant d'une petite lyre triangulaire. Le "vase moissonneur" minoen (1500-1450 avant notre ère) de Hagia Triada en Crète représente un sistre Des versions de joueur et d'argile de l'instrument ont été trouvées dans des tombes à travers la Crète. Il existe également des preuves que la musique peut avoir été écrite dès l'âge du bronze si un texte Minoan Linear A sur un mur de Hagia Triada est interprété comme tel.

La combinaison des mots et de la musique, des systèmes mélodiques et scalaires, et plusieurs des instruments de musique les plus populaires tels que l'aulos et la lyre proviennent probablement du Proche-Orient. Cependant, les Grecs eux-mêmes considéraient la lyre, en particulier, comme un instrument « grec » tandis que le aulos est souvent représenté dans la mythologie comme un concurrent étranger inférieur d'origine orientale. Ainsi, le grand dieu grec Apollon, que l'on croyait être le maître de la lyre, vainquit le satyre phrygien Marsyas et son aulos dans un concours musical jugé par les Muses. La lyre était aussi l'instrument de musique, par-dessus tout, que les jeunes Grecs devaient apprendre dans leur scolarité et a été recommandée comme tel par Platon dans son République.

Publicité

Instruments de musique

Les instruments de musique grecs comprenaient les cordes, le vent et les percussions. De loin les plus populaires étaient la lyre, aulos (généralement double), et syrinx. D'autres instruments, cependant, comprenaient le hochet (sistre et sistron), cymbales (kymbala), guitare (kithara), cornemuse (Askaulos), conques et tritons (kochlos), trompette (salpinx), Corne (keras), tambourin (rhoptron), tambour peu profond (tympan), des battants (krotala), maracas (phormiskoi), xylophone (psithyre), diverses versions de la lyre comme la lyre à quatre cordes (phorminx) et le multi-cordes et allongé barbiton, et divers types de harpes, généralement de forme triangulaire (par exemple la psaltérion). Deux instruments inhabituels étaient le losanges (un instrument à vent) qui était un losange plat percé de trous, enfilé sur une corde, et joué en faisant tourner la corde. Le deuxième était le hydraulique, un orgue hellénistique sophistiqué qui utilisait de l'air comprimé et une pression d'eau maintenue par deux pédales. Incidemment, les instruments à cordes étaient toujours joués avec les doigts ou un médiator plutôt qu'avec un archet et à l'époque classique, les instruments à cordes étaient privilégiés par rapport au vent car ils permettaient au joueur de chanter également et, pour les Grecs, les mots étaient considérés comme plus importants que sons musicaux.

Théorie de la musique

Il existe des preuves que les Grecs ont commencé à étudier la théorie musicale dès le 6ème siècle avant notre ère. Cela consistait en des études harmoniques, acoustiques, scalaires et mélodiques. Le premier texte survivant (mais fragmentaire) sur le sujet est le Éléments harmoniques par Aristoxène, écrit au 4ème siècle avant notre ère. La musique est également devenue un élément d'étude philosophique, notamment par les adeptes de Pythagore, qui croyaient que la musique était une expression mathématique de l'ordre cosmique. La musique était également considérée comme ayant certains avantages thérapeutiques, voire des pouvoirs médicinaux sur les maladies physiques et mentales.

Inscrivez-vous à notre newsletter hebdomadaire gratuite !

De plus, l'une des contributions uniques des Grecs à l'histoire et au développement de la musique est qu'elle peut avoir un effet moral et émotionnel sur l'auditeur et son âme, bref, que la musique a un rôle éthique dans la société. Pour cette raison, Platon, les jugeant plutôt décadents, interdit les instruments capables de produire toutes les gammes. De même, les rythmes trop compliqués et la musique au tempo trop rapide étaient considérés comme moralement dangereux dans la république idéale du grand philosophe.

En ce qui concerne la musique écrite, 52 morceaux de musique grecque survivent, bien que sous une forme fragmentaire. Par exemple, un extrait musical de la pièce d'Euripède Oreste survit, de même qu'une inscription de musique du Trésor athénien à Delphes. Le morceau de musique grecque le plus complet qui nous soit parvenu est le chant de Seikilos d'une pierre tombale du IIe siècle av. J.-C. trouvée à Tralleis près d'Éphèse.

Publicité

Les musiciens

Les musiciens grecs étaient très souvent les compositeurs et paroliers de la musique qu'ils interprétaient. Connus sous le nom de « créateurs de chansons » ou melopoioi, ils ont créé mélos: une composition de mots, de mélodie et de rythme. Il existe des preuves que les musiciens jouissaient d'un statut élevé dans la société, comme l'indiquent leurs robes particulières et leur présence sur les listes du personnel de maison royal. Il y avait même un symbole spécifique pour les musiciens dans l'écriture hiéroglyphique crétoise et le dernier linéaire B. Les musiciens professionnels étaient des hommes, à l'exception des courtisanes ou hetairai qui a joué à colloques. Cependant, il y a des représentations dans l'art de musiciennes, notamment les joueurs de lyre dansant en argile de Palaikastro. D'autres musiciens professionnels comprenaient le triéraules qui donnaient le rythme aux rameurs en trirèmes et aux trompettistes et choristes qui accompagnaient les soldats en marche.

Musique et religion

La musique et la danse accompagnaient les processions lors d'occasions religieuses spéciales dans diverses villes grecques et, parmi les plus célèbres du monde grec, étaient les fêtes Panathenaia et Great Dionysia d'Athènes. Certaines pratiques religieuses étaient généralement exécutées en musique, par exemple les sacrifices et le versement de libations. Hymnes (parabole) et des prières (kateuches) étaient également chantés lors des processions et à l'autel lui-même. Celles-ci ont été assurées par des chorales de musiciens professionnels, notamment aulos joueurs, souvent attachés à des sanctuaires particuliers, par exemple, le païens à Athènes et le aoidoi et épispondorchestai dans le sanctuaire d'Asclépios à Epidaure.

Publicité

Les récitals de musique, de danse, de poésie et de théâtre étaient également une activité compétitive lors d'événements tels que les festivals panhelléniques organisés à Isthmia, Delphes et Némée. Cependant, comme pour les compétitions sportives, les concours de musique étaient de nature religieuse en ce sens que l'excellence était offerte pour honorer les dieux. Il y avait deux types de tels concours musicaux : stéphanites (sacré avec une couronne symbolique comme prix) et chrématites ou thematikoi (avec des prix plus tangibles comme de l'argent ou des biens précieux). Sparte, Argos et Paros ont organisé les premières compétitions de ce type à partir du 7ème siècle avant notre ère. À l'époque hellénistique, les festivals et concours musicaux sont devenus si courants que les musiciens et les artistes du spectacle ont commencé à s'organiser en guildes ou Koina.

Éducation musicale

Platon nous apprend que les premières écoles dédiées à l'éducation musicale ont été créées par les Crétois. Cependant, l'apogée de la musique en classe a eu lieu aux VIe et Ve siècles avant notre ère, lorsque des écoles de musique ont été créées à Athènes où les élèves âgés de 13 à 16 ans ont appris à jouer de la lyre et kithara et de chanter, accompagnés de leur professeur sur le aulos. La musique enseignait la discipline et l'ordre et permettait aux éduqués de mieux apprécier la performance musicale. L'athlétisme et d'autres activités sportives, autre élément majeur de l'éducation grecque, se faisaient également accompagnés de musique, notamment afin d'augmenter la synchronisation.

Musique pour le plaisir

La musique était un élément essentiel de la symposium ou une beuverie entièrement masculine. Après avoir mangé, les hommes ont chanté chacun une chanson (skolia) avec un aulos, lyre ou barbiton fournir de la musique d'accompagnement. Souvent, ils chantaient des chansons satiriques amusantes (silloi). Enfin, à la fin de la soirée, il était courant que le groupe descende dans la rue comme un komos (groupe de fêtards) et chanter et danser à travers la ville.

Publicité

Les femmes aussi pouvaient profiter de la musique dans l'intimité de leur foyer. Habituellement, les femmes jouaient des instruments à cordes et récitaient de la poésie en musique. De plus, les tâches ménagères telles que le tissage et la pâtisserie se faisaient en musique. Les enfants aussi chantaient des chansons (agermos) aux portes des gens pour recevoir de la petite monnaie et des bonbons comme le font aujourd'hui les chanteurs de Noël.

Au théâtre, les représentations de tragédie, de comédie et de théâtre grecs étaient toutes accompagnées de musique, et le chant était assuré par un chœur désigné qui comprenait jusqu'à 24 chanteurs dans des représentations théâtrales grecques du 5ème siècle avant notre ère.

La musique dans l'art

Les musiciens et les instruments de musique étaient un sujet populaire sur les fresques, la sculpture et la poterie grecque, en particulier dans les styles géométriques, à figures noires et à figures rouges. Mis à part toutes les figures majeures de la mythologie grecque mentionnées précédemment, un ajout notable au sujet de la musique sur la poterie grecque est le plus grand des héros Hercule. Les poteries de la fin de l'archaïque et du début du grenier dépeignent souvent le héros avec un kithara, et peut-être symbolise-t-il l'association entre l'exercice physique et l'exercice musical qui sont nécessaires à une éducation bien équilibrée. D'autres grands héros tels qu'Achille, Thésée et Paris sont également parfois représentés jouant d'un instrument de musique (généralement une lyre), renforçant une fois de plus le double objectif d'une éducation aristocratique et la vertu de la musique. En outre, de nombreuses scènes d'école sur des poteries du Ve siècle av. Finalement, Lékythoi, des pots minces pour contenir des parfums, sont couramment trouvés dans des contextes graves et ont souvent de la musique comme sujet de leur décoration, peut-être pour tenter de s'assurer que le défunt était accompagné de musique lors de son voyage dans la prochaine vie.


Comment les musiciens de la Grèce antique accordaient-ils leurs instruments ? - Histoire

La musique et le théâtre étaient des forces très influentes dans le monde grec. La musique était aussi importante que la capacité physique et était considérée comme une science abstraite. Tous les hommes grecs instruits et certaines femmes grecques devaient apprendre à jouer d'un instrument et à chanter dans le cadre de leur éducation. La musique imprégnait la vie quotidienne des Grecs de l'Antiquité. Le théâtre faisait également partie de la vie quotidienne des Grecs de l'Antiquité. Ses origines provenaient des cultes du dieu Dionysos, dont les membres chantaient et dansaient eux-mêmes dans un état euphorique pendant les festivals et les rites. Ces festivals de chant et de danse ont évolué au fil du temps, des mots ont été ajoutés, et c'est devenu du théâtre.

La musique grecque n'était pas comme la musique d'aujourd'hui, avec un accompagnement et une structure en accords. Les Grecs n'aimaient pas la musique entièrement instrumentale, et lorsqu'ils utilisaient des instruments, c'était pour accompagner le chant. Cet accompagnement n'était qu'un doublement de la ligne vocale, et non une partie musicale en soi. Pour les Grecs, la musique impliquait non seulement le chant et le jeu, mais aussi la danse, le rythme et les mots. Ils faisaient tous partie d'un tout et constituaient une partie vitale de leur philosophie. On ne pourrait tout simplement pas exister sans aucun des autres. Au théâtre, Aristophane écrit monodies dans ses pièces, qui étaient des lignes du script qui devaient être chantées. D'autres dramaturges les ont également utilisés, notamment Sophocle et Euripide. Du dramaturge Eurypide, nous avons un exemple de musique écrite réelle, bien que sa mélodie exacte soit un mystère. Nous ne savons tout simplement pas comment le lire comme de la musique. La musique grecque a été écrite en utilisant des lettres, et non des notes comme nous l'utilisons aujourd'hui. On pensait que certaines lettres et combinaisons de lettres avaient certaines qualités mélodiques et rythmiques. Dans sa pièce Les grenouilles, Aristophane a parodié le style rythmique et musical d'Eurypide, qu'Aristophane a qualifié de " bégaiement musical occasionnel ". Les auteurs de tragédies devaient non seulement être conscients de leurs mots réels, mais aussi de la façon dont les mots sonnaient musicalement.

Les festivals dédiés à Dionysos sont considérés comme la base du théâtre grec. Les Dithyrambes strophiques étaient des chants et des danses strictement réglementés dédiés à Dionysos, et exécutés lors de ces festivals en son honneur. Les Dithyrambes strophiques étaient interprétés en vers instricts par des groupes de douze à cinquante hommes. Le chœur d'une pièce grecque était composé de douze à vingt-quatre musiciens amateurs qui ont été choisis pour chanter dans une pièce dans le cadre de leur éducation religieuse et civique en tant que citoyens grecs. Le Chœur grec est la continuation des Dithyrambes strophiques et sert de voix pour/des masses dans les pièces grecques. Le Chœur fait appel aux dieux dans les pièces et existe pour être de nature logique, de la même manière que les Dithyrambes strophiques étaient une sorte de chaos organisé dans les rites de Dionysos.

Les premiers bardes et conteurs grecs parcouraient la ville et la campagne en récitant des mythes anciens en chantant et en portant une lyre ou une kithara pour augmenter leur mélodie. Les premiers hymnes aux dieux étaient destinés à être chantés, pas seulement récités comme nous le faisons aujourd'hui. Ces hymnes étaient souvent interprétés lors de fêtes aux dieux. Les participants à ces festivals chantaient, dansaient et jouaient des instruments. La musique faisait partie de la vie non seulement des dieux, mais aussi de la vie des hommes. C'était quelque chose que tout le monde pouvait prendre part et apprécier. La musique a donné l'émotion et la vie aux mythes. Ils ont été écrits en poésie, pas en prose. Certains poètes tels que Pindare ont écrit sur la capacité de chant des bardes ainsi que sur leurs paroles. La musique chantée par les Grecs de l'Antiquité était très probablement improvisée et avait un accompagnement musical simple. C'était "à travers la composition", ce qui signifie essentiellement que chaque ligne de texte avait une mélodie différente pour l'accompagner. La mélodie s'adapte au texte plutôt que l'inverse. L'important pour les Grecs n'était pas la mélodie elle-même, mais la façon dont la mélodie passait par le chanteur et interagissait et augmentait ses paroles. La musique a amené les mots à un niveau plus élevé, plus élevé que les mots ne le pourraient jamais. Il a ajouté une nouvelle dimension à la performance.

La musique était l'incarnation de pathétique, qui est à peu près l'expérience et la condition humaines, les émotions de ce que c'est que d'exister. Pathétique est le contraire de logo, ou le mot parlé/écrit et tout ce qui est logique. Logos pourrait s'appliquer à la musique, mais elle ne pourrait jamais la contrôler, tout comme la raison peut servir de masque aux émotions. Au théâtre grec, pathétique représentait l'esprit de Dionysos. Elle a été réprimée pendant un certain temps, mais a toujours gagné à la fin, tout comme la nature a toujours triomphé de la raison et de la logique.


À quoi ressemblait la musique ancienne ?

Les œuvres d'art anciennes illustrent que la musique avait une forte présence dans la vie quotidienne de la Grèce classique et de Rome. Les peintures sur vase et les sculptures de la collection d'antiquités offrent une vue révélatrice de la variété des instruments de musique qui ont été joués, ainsi que des contextes dans lesquels ils ont été joués.

Sarcophage avec scènes de Bacchus (détail d'une ménade, une adepte de Dionysos, jouant du tympan), Roman, 210-220 après JC. Marbre, 67 15/16 po de large. Le Musée J. Paul Getty, 83.AA.275

En regardant de près les œuvres d'art, on sait que la musique jouait un rôle dans les rituels associés à Dionysos, le dieu grec du théâtre et du vin. La musique, comme le vin, était perçue comme ayant des qualités transformatrices, transportant la conscience d'un état de conscience à extase. Le panneau avant de ce sarcophage romain montre une fête dionysiaque, dans laquelle une symphonie d'instruments-de la aulos au tympan, la lyre au kymbala-est joué aussi bien par les ménades que par les satyres.

Comme aujourd'hui, la musique a également joué un rôle important dans les fêtes. L'une des principales sources pour comprendre la musique ancienne réside dans les artefacts utilisés dans et représentant le colloque (symposium), une beuverie masculine réservée aux aristocrates de la société grecque. Ce gobelet illustre plusieurs musiciens en action. Les artistes jouent le krotala et le aulos tandis que les danseurs bougent à leurs rythmes.

Musiciens antiques en action. Coupe à vin avec scène de flirt (vue inversée de l'extérieur, avec détail ci-dessous), attribuée au peintre de Briseis, peintre de vases, et à Brygos, potier. Grec, fabriqué à Athènes, vers 480-470 av. Terre cuite, 12 1/16 po diam. Le Musée J. Paul Getty, 86.AE.293

Bien que peu d'instruments réels ou de notations musicales survivent, l'iconographie sur les œuvres d'art nous renseigne beaucoup sur les techniques de performance possibles, le timbre d'un instrument, la façon dont les instruments ont été fabriqués et les manières dont les instruments anciens se connectent aux instruments modernes.

A la Villa Getty, nous avons poussé cette idée un peu plus loin en invitant le duo musical contemporain Musicàntica pour une série de démonstrations d'artistes au travail en février et mai 2012. L'art peut fournir beaucoup d'informations, mais les images de musique ont vraiment besoin d'un bande sonore.

Enzo Fina et Roberto Catalano, qui composent Musicàntica, explorent les traditions orales de la valeur aberrante italienne : la musique de la paysannerie du sud de l'Italie, des pêcheurs et des vendeurs ambulants dont l'histoire musicale est transmise de génération en génération par des joueurs non entraînés. Alors que des milliers d'années séparent Musicàntica de leurs homologues antiques représentés dans les œuvres d'art de la Villa, leurs instruments les relient à travers le temps. Dans le cadre de son répertoire, Musicàntica met en lumière des instruments directement liés à leurs racines anciennes.

Par exemple, le benas, une clarinette à anches simples et doubles sarde, a ses racines dans le aulos, un instrument à vent ancien comme la clarinette et le hautbois modernes.

Les benas, une clarinette à anches sarde, est la descendante directe de l'ancienne aulos.

Jouer de aulos. Jarre à eau avec un fêtard, attribuée au Peintre d'Eucharis. Grec, fabriqué à Athènes, vers 480 av. Terre cuite, 15 5/16 po de hauteur. Le Musée J. Paul Getty, 86.AE.227

Les anciens musiciens utilisaient la technique de respiration circulaire, une méthode dans laquelle un joueur inhale par le nez, remplit ses joues d'air et le souffle lentement hors de l'instrument de manière circulaire. Le son était continu mais imposait beaucoup de stress au musicien.

Pour jouer le benas, Roberto portait un phorbeia, un bracelet en cuir utilisé par les anciennes aulettes (joueurs de la aulos) pour compenser le stress sur les joues et les lèvres causé par le soufflage dans l'instrument.

Lors de la démonstration d'artiste au travail à la Villa, Roberto Catalano porte un phorbeia (bracelet en cuir) pour jouer le benas, une clarinette à anches sarde descendante de l'ancienne aulos.

Une ancienne aulette souffle sur son instrument (aujourd'hui perdu). Tête de Boy Piper, grec, vers 320 av. Marbre, 9 7/16 po de hauteur. Le Musée J. Paul Getty, 73.AA.30

Et dans ce clip vidéo, Enzo Fina montre comment il joue de l'ancien tympan en utilisant son descendant direct moderne, le tambour sur cadre.

Alors que les instruments d'aujourd'hui nous donnent une idée de ce à quoi leurs homologues anciens pouvaient ressembler, les reconstructions peuvent être tout aussi informatives. Dans la vidéo ci-dessous, Roberto Catalano improvise sur une réplique chélys lyre, accordée en mode dorien. Le nom dérive du mot grec pour la carapace d'une tortue, chélys, qui servait de caisse de résonance. Selon le mythe grec, la première lyre a été fabriquée par le dieu Hermès à partir d'une carapace de tortue, ainsi que des cornes et de la peau d'un bœuf volés à son frère Apollon. Cette lyre possède une caisse de résonance en carapace de tortue européenne, autrefois abondante en Europe, et des bras en bois.

Ces exemples montrent que la musique ancienne ne s'est pas tue !

Pour explorer davantage la musique ancienne, voici deux de mes sources préférées : des sons de papyrus anciens avec des preuves de notations musicales, des extraits sonores et une bibliographie, ainsi que des instruments anciens reconstruits et d'autres exemples sonores.


Détails de construction

À Berkeley, nous avons également une réplique jouable de la lyre à barbe en lapis-lazuli qui a été savamment fabriquée à la main par feu M. Eli Richman d'Atlanta. Sa veuve, Josephine Richman, m'en a fait don il y a quelques années pour les anciennes collections du Proche-Orient au Berkeley's Hearst Museum (anciennement le Lowie Museum) sur le campus de l'Université de Californie. M. Richman avait vu une reconstruction antérieure (années 1970, non jouable) de cet instrument au Musée de l'Université de Philadelphie et a été tellement impressionné par sa beauté qu'il en a fait une réplique. Il a utilisé des chevilles, comme des chevilles de guitare ou de violon, dans le haut du joug pour contrôler la tension des cordes, car il était très difficile d'accorder les cordes à l'aide de bâtons ou de tiges qui traversent le joug de la lyre (ce l'utilisation de chevilles est connue de la harpe Puabi originale d'Ur). Comme nous l'avons appris de la pratique sur les autres répliques, cependant, il est possible, bien qu'au premier abord maladroit et difficile, d'obtenir un réglage fin à l'aide des baguettes.

Certaines représentations de culasses de lyre montrent un matériau tressé sous les baguettes d'accord qui aurait facilité le retournement des cordes autour de la culasse pendant le processus de serrage et de desserrage (voir Fig. 1). La lyre de cerf en forme de bateau conserve encore des traces des marques faites sur son joug par des emballages placés sous les cordes. Des matériaux similaires se trouvent aujourd'hui sous les cordes des lyres modernes d'Afrique et d'ailleurs dans le monde, on peut les voir parmi les collections d'instruments ethnographiques de nombreux musées (voir Fig. 4 dans de Schauensee, ce numéro).

FIG 11. EN 1954, LE PHOTOGRAPHE DU MUSÉE DE L'UNIVERSITÉ SURPREND L'AUTEUR EN ÉTUDANT LA LYRE À TÊTE DE TAUREAU. Photographie de Ruban Goldberg

En étudiant la restauration de la lyre de cerf en forme de bateau au Musée universitaire avec Maude de Schauensee il y a quelques années, nous avons été intrigués par l'étroite fente rectangulaire par laquelle les treize cordes ont dû passer (Fig. 9), apparemment sans rien pour les ancrer ou à tout endroit où ils pourraient être ancrés. Une seule solution logique s'est présentée : chaque corde devait être attachée à une bascule qui, une fois placée à l'intérieur de la fente, lui tournait perpendiculairement. Lorsque la ficelle était tendue autour du joug ci-dessus, la bascule serait ancrée contre le bord de l'ouverture rectangulaire. De cette manière, chaque corde peut être étirée, attachée et accordée à la hauteur souhaitée. Comme le Musée universitaire possède une importante collection de lyres africaines et autres, nous sommes allés ensemble en examiner quelques-unes. Par chance, les trois premiers que nous avons inspectés utilisaient des bascules pour attacher les cordes tout en bas de l'instrument (Fig. 10). Nous étions tous les deux convaincus d'avoir résolu le casse-tête du but et de la fonction de la petite fente dans la caisse de résonance de la lyre argentée en forme de bateau.

Nous en apprendrons sûrement davantage sur la construction d'instruments anciens au fur et à mesure que de nouveaux matériaux seront excavés ou que nous améliorons notre compréhension des textes et des artefacts connus.

En 1954, j'étais un futur étudiant diplômé du département d'études orientales de Penn, et je visitais le musée le jour où le photographe du musée prenait des photographies au hasard dans et autour du bâtiment. Il m'a pris en photo en train d'étudier la lyre à tête de taureau (Fig. 11). Je ne savais pas que la musique mésopotamienne ancienne constituerait finalement une partie centrale de mes recherches assyriologiques de 1948 à 1998, ou que les textes cunéiformes étudiés au cours de cette période de 40 ans conduiraient à la récupération vraiment passionnante des anciennes gammes et accords musicaux du Proche-Orient. .

L'ancienne gamme avait sept notes (voir Fig. 6) tout comme nous
faire. Contrairement à un piano, cependant, l'ancienne lyre n'avait pas
notes “noir”. Avec des notes noires, on peut jouer un demi-pas
(ou demi-ton) au-dessus ou au-dessous de toute autre note (Biblique
Revue d'archéologie 1980:20).
Après BAR 1980 : 21

Heptatonique : Hepta (grec : sept) division de sept tons de l'octave. Un exemple d'échelle heptatonique est l'échelle “do-re-mi”.

Troisième: Un intervalle de trois pas une consonance imparfaite que nos oreilles acceptent comme agréable.

Cinquième: Un intervalle de cinq étapes. Comme l'octave, la quinte ne crée pas d'ondes d'interférence. Dans un accord de tempérament égal, nos quintes sont légèrement plus petites que dans un accord parfait, pas assez pour déranger la plupart des auditeurs, mais assez pour permettre à toutes les demi-tons d'être de taille égale et pour permettre un changement de tonalité dans un morceau.

Triton : La division de l'octave exactement en deux. Trois (trig-) tons entiers. À l'époque médiévale, cet intervalle s'appelait le diable en musique. Il était difficile à chanter, très instable et exigeait une résolution immédiate à un intervalle de consonne.

Réglage: Les instruments (pianos, harpes, etc.) sont accordés selon les lois de la physique (acoustique). L'accord pythagoricien a tous les intervalles parfaits (octaves, 4èmes, 4èmes) dans un accord parfait. L'accord à tempérament égal, que nous utilisons aujourd'hui dans la civilisation occidentale, a modifié les 4èmes et 4èmes, mais des octaves parfaites. Cet accord est modifié pour permettre l'utilisation de toutes les différentes touches que les compositeurs ont commencé à utiliser à partir de l'époque de Bach. L'accord de tempérament égal permet des demi-tons de taille égale et des changements de tonalité aussi éloignés que de do majeur à fa # majeur avec une facilité parfaite. Au Moyen-Orient et en Orient, il existe de nombreux autres systèmes, dont certains utilisent des tons A et d'autres relations exotiques.

Intervalle: La distance entre deux tons. Sur la portée, il est compté du plus bas au plus haut et un numéro est attribué à chaque ligne et espace comprenant les deux notes.

Octave: L'intervalle avec le ton le plus élevé est le double de la fréquence de l'inférieur. Par exemple, a = 440 Hz, a’ = 880 Hz. C'est une consonance parfaite ne créant aucune onde d'interférence. C'est aussi un intervalle de huit notes blanches au piano.

Escalader: La division de l'octave en une série logique ou utile de hauteurs. Le terme “scale” indique une ascension par étapes.

Demi-pas: Sur le clavier du piano, c'est le ton adjacent suivant, 1/12 d'octave.

Étape entière : Sur le clavier du piano, c'est la distance entre les tons séparés de deux demi-pas.

Diatonique: La gamme naturelle de cinq entiers et de deux demi-tons disposés comme les touches blanches du clavier du piano. Chaque degré de l'échelle a son propre nom de lettre (A, B, C, D, E, F, G).


ARTICLES LIÉS

"Il ne fait aucun doute que nous pouvons reconstituer à quoi ressemblait cette musique fascinante", a déclaré à MailOnline le Dr Armand D'Angour, musicien et professeur de lettres classiques à l'Université d'Oxford.

"Nous nous sommes retrouvés avec des instructions claires, vieilles de milliers d'années, sur la façon de créer des instruments utilisés pour jouer de la musique avec une précision mathématique."

L'une des grandes paroliers grecs et des rares poètes féminines connues du monde antique, Sappho est née entre 630 et 612 av. Sa poésie d'amour aurait été composée en musique, comme l'air entendu ci-dessus

Le résultat, selon le Dr D'Angour, est «quelque chose d'assez magique» qui peut sembler étrange à nos oreilles, mais qui était extrêmement populaire auprès du public à l'époque.

Pour reconstituer la musique, le Dr D'Angour et son équipe ont rassemblé des indices existants sur les airs, les rythmes et les instruments de l'époque.

Les rythmes, par exemple, sont préservés dans les modèles de syllabes longues et courtes dans les mots des textes eux-mêmes.

Les instruments utilisés – comme la lyre et les flûtes à roseau – sont connus à partir de peintures et de vestiges archéologiques.

Les instruments utilisés - tels que la lyre et les flûtes à roseau - sont connus à partir de peintures et de vestiges archéologiques, comme cette illustration de L'Odyssée d'Homère

La lyre (à gauche) est un instrument à cordes connu pour son utilisation dans l'Antiquité grecque classique et plus tard. L'image de droite montre l'épitaphe de Seikilos, le plus ancien exemple survivant d'une composition musicale complète. La chanson est dans la notation musicale grecque antique, a été trouvée gravée sur une pierre tombale, près d'Aidin, Turquie

UNE CHANSON DE 200 AD

Certaines des mélodies survivantes sont immédiatement attrayantes pour une oreille moderne, a déclaré le Dr D'Angrour.

Une pièce complète, inscrite sur une colonne de marbre et datant d'environ 200 après JC, est une courte chanson obsédante de quatre vers composée par Seikilos.

Les paroles de la chanson peuvent être traduites par :

Tant que tu es en vie, brille :

Ne laissez jamais votre humeur décliner.

Nous avons une courte durée de vie à passer :

Le temps nécessite une fin.

Pendant ce temps, d'anciens documents trouvés sur la pierre en Grèce et sur le papyrus en Égypte, révèlent exactement comment le ton aurait dû monter tout au long de la composition.

Inscrits avec une notation vocale conçue vers 450 avant JC, les documents montrent des lettres alphabétiques et des signes placés au-dessus des voyelles des mots grecs qui révèlent les rapports mathématiques des intervalles musicaux.

Le Dr D'Angour a déclaré qu'une musique similaire à celle jouée dans la Grèce antique se retrouve aujourd'hui dans les traditions musicales folkloriques de la Sardaigne et de la Turquie, offrant un aperçu des sons et des techniques utilisés.

Par exemple, dans la Grèce antique, une note musicale montait en hauteur sur certaines syllabes et tombait sur d'autres, plutôt que d'être accentuée.

"L'une des choses qui fascinaient les Grecs à tout moment était la notion d'imitation", a déclaré le Dr D'Angour. Sur la photo, une œuvre d'art de l'Iliade ambrosienne, un manuscrit enluminé du Ve siècle de l'Iliade d'Homère, représentant une scène de bataille. Ce poème aurait peut-être été mis en musique pour rehausser les émotions qu'il évoquait

La musique de cette période utilisait également des intervalles délicats tels que des quarts de ton, et la mélodie était souvent différente des hauteurs vocales utilisées dans les poèmes.

"Nous parlons d'une période d'environ 1000 ans, il y avait donc beaucoup de styles et de sons différents dont beaucoup auraient été perdus", a déclaré le Dr D'Angour.

"Dans la mesure où nous connaissons différents sons, la musique la plus ancienne, disons du 5ème siècle avant JC, nous est plus étrangère que la musique plus récente de 200 après JC, qui sonne un peu comme les premières mélodies de l'église."

Dr D'Angour has only just begun his collaborative two-year project, at the end of which he hopes to uncover exactly what music meant to ancient Greeks.

‘One of the things Greeks were fascinating by at all times was the notion of imitation,’ said Dr D'Angour.

‘The idea that they could find auditory phenomena that could imitate emotion meant that the music had to feel like it had some kind of enhanced meaning.

‘Some of it absolutely haunting but one of the things I feel most of all is that it’s amazing to hear music that hasn’t been heard for 2,000 years.’


New approaches

The situation has changed largely because over the past few years some very well preserved auloi have been reconstructed by expert technicians such as Robin Howell and researchers associated with the European Music Archaeology Project. Played by highly skilled pipers such as Barnaby Brown and Callum Armstrong, they provide a faithful guide to the pitch range of ancient music, as well as to the instruments’ own pitches, timbres, and tunings.

Central to ancient song was its rhythms, and the rhythms of ancient Greek music can be derived from the metres of the poetry. These were based strictly on the durations of syllables of words, which create patterns of long and short elements. While there are no tempo indications for ancient songs, it is often clear whether a metre should be sung fast or slow (until the invention of mechanical chronometers, tempo was in any case not fixed, and was bound to vary between performances). Setting an appropriate tempo is essential if music is to sound right.

Apollo plays the lyre. Wikimedia Commons

What about the tunes – the melody and harmony? This is what most people mean when they claim that ancient Greek “music” is lost. Thousands of words about the theory of melody and harmony survive in the writings of ancient authors such as Plato, Aristotle, Aristoxenus, Ptolemy, and Aristides Quintilianus and a few fragmentary scores with ancient musical notation first came to light in Florence in the late 16th century. But this evidence for actual music gave no real sense of the melodic and harmonic riches that we learn of from literary sources.

More documents with ancient notation on papyrus or stone have intermittently come to light since 1581, and now around 60 fragments exist. Carefully compiled, transcribed, and interpreted by scholars such as Martin West and Egert Pöhlmann, they give us a better chance of understanding how the music sounded.


Aulos

tibia plural tibiae, in ancient Greek music, a single- or double-reed pipe played in pairs (auloi) during the Classical period. After the Classical period, it was played singly. Under a variety of names it was the principal wind instrument of most ancient Middle Eastern peoples and lasted in Europe up…

Caractéristiques

Although music was important in the life of ancient Greece, it is not now known how that music actually sounded. Only a few notated fragments have survived, and no key exists for restoring even these. The Greeks were given to theoretical speculation about…

Of the early civilizations, Greece provided the musical culture of greatest significance for the development of Western music. The system of scales and modes, as well as a large part of the general philosophy concerning the nature and effect of musical sounds, has been inherited from the Greeks. It…

Of the eastern Mediterranean cultures, it was undoubtedly that of the Greeks that furnished the most direct link with the musical development of western Europe, by way of the Romans, who defeated them but adopted much of Greek culture intact. Entering historical times…

Harmonie

…theorists’ fragmented knowledge of ancient Greek music.

Lyres

…the lyre to the ancient Greeks symbolized wisdom and moderation. Greek lyres fell into two types, exemplified by the lyra and kithara. The kithara was apparently of Asiatic origin, the lyra either indigenous or of Syrian provenance. Both shared the same playing technique, tuning, and stringing, the number of strings…

Modes

The modes of Greek antiquity were placed by theorists in orderly fashion within a larger context. Although the modes were a series of seven-note diatonic scales (i.e., containing five whole tones and two semitones), the nucleus of the tone system was the tetrachord—a…

Nomós

…traditional melodies used by ancient Greek epic singers, often with lyre accompaniment. The nomos was an important art form for professional soloists, especially in musical competitions. Nomoi were in three, five, or seven movements and originally in a single harmonia. There were no strophic repetitions.

Octave species

Greek music theory, any of the various arrangements of tones (T) and semitones (S) within an octave (series of eight consecutive notes) in the scale system. The basic Greek scale ranged two octaves and was called the Greater Perfect System. Central to the scale system…

Percussion instruments

…a country regarded by the Greeks and Romans as forming part of Asia rather than Africa (a practice that will be followed in this article for convenience).

Performance with poetry

…music were laid in ancient Greece, where classical music and poetry were regarded as parts of a single art. These principles were adopted by the Romans and were transmitted, by way of Latin poetry, to medieval Europe. The feet of classical poetry and their equivalents in music are shown in…

Tetrachord

In ancient Greek music the descending tetrachord was the basic unit of analysis, and scale systems (called the Greater Perfect System and the Lesser Perfect System) were formed by joining successive tetrachords. Only the outer notes of each tetrachord were fixed the position of the inner pitches…

Tonos

…plural Tonoi, concept in ancient Greek music, pertaining to the placement of scale patterns at different pitches and closely connected with the notion of octave species (qv). Through transposition of the Greater Perfect System (comprising two octaves descending from the A above middle C to the second A below) to…

Wind instruments

The Greek version of the double reed was the aulos. The two divergent narrow pipes activated by a large reed would create a loud pungent sound highly prized by the Greeks. Bien que le aulos has received much praise over the ages, it has rarely been used…


Rediscovering ancient Greek music

At the root of all Western literature is ancient Greek poetry—Homer’s great epics, the passionate love poems of Sappho, the masterpieces of Greek tragedy and of comic theatre. Almost all of this poetry was or originally involved sung music, often with instrumental accomp­animent. Scholars are now in a position to reconstruct from surviving documents how Greek music actually sounded. By combining this knowledge with modern analogies and imaginative musicianship we may make a start at understanding why it was thought to exert such extraordinary power.

Music was as central to Greek life as it is to ours. Greeks believed that music had the power to captivate and enchant. In the fifth century BC, the music of Athenian theatre was enjoyed by tens of thousands of listeners. Top performers were treated like pop stars: the piper Pronomos of Thebes was said, like Elvis himself, to have ‘delighted the audience with his facial expressions and the movements of his body’. The complex rhythms of Greek poetry are usually studied in terms of metre, but were also the basis of dance steps, which involved the rise and fall of dancers’ feet. Marks on stone and papyrus show how the beat fell in some cases of ancient rhythm, and help us to work out how the intricate rhythms may have been danced.

The principal components of Greek music—as of all music—were the voice, instruments, rhythms, and melodies. The instruments are well known from ancient paintings and surviving relics, some in excellent condition. Two main kinds of instrument, the double-pipe (aulos) and the lyre, were used to accompany song. The sweet sound of plucked strings allegedly empowered the minstrel Orpheus to entrance trees and subdue wild animals. Imagine that all we knew of the Beatles songs—or the operas of Mozart, Verdi, Wagner, and Britten—were the words. Then after two millennia, we had the means to rediscover what the music sounded like. We would be bound to recognise the huge difference the sound of music makes to the listeners’ minds and emotions. Imagine!

Image credit: The Euripides Orestes papyrus. Papyrus Collection, Austrian National Library. Public domain via Wikimedia Commons.

We know that music—singing, playing instruments, and dancing—was a significant part of ancient Greek life, from the time of Homer in the 8th century BC for hundreds of years. It was used in religious worship, formal and informal entertainment and banquets, ceremonial occasions such as weddings and victory celebrations, and even in work settings where the aulos (double-pipe) was said to provide a rhythm for workers. Above all, however, we know that the surviving texts of most ancient poetry were sung to music.

Until recently, people thought we knew nothing of ancient tunes, but scholarship has now accurately deciphered marks on stone and papyrus that reveal songs and scraps of tunes, some of which haven’t been heard for 2000 years. The extraction of melody from the markings was allowed thanks to a comprehensive set of tables preserved from around the 5th century AD, by an otherwise unknown author called Alypius. Alypius listed the notations used to indicate vocal and instrumental melody, informing us what modes different marks could refer to and explaining the relative intervals.

A later author, the mathematician and astronomer Ptolemy, who also wrote about music in the 2nd century AD, gives us very precise details of the tuning of the seven- or eight-stringed lyres. He constructed an 8-stringed ‘octachord’ with moveable bridges, and measured the proportions of the strings in order to specify their pitch. As a result, we are able to reconstruct stringed instruments and tune them exactly as they would have been tuned in his time.

Scraps of papyrus with musical notation began to appear as early as the 16th century, and Florentine musicians were excited to try and rediscover the music of ancient Greece. However, they found that the indications were too slight for them to make good sense of the music, and they went their own way in creating opera and oratorio.

Over the past few hundred years, however, more papyri have come to light, as well as stone inscriptions with large amounts of musical notation. From them we are able to reconstruct the sounds of music that would have been sung and played. There are around two dozen melodies that have been transcribed and are able to be performed along with texts which provide the intrinsic rhythm—Greek words consisted of long and short syllables.

These pagan melodies, dating from the 5th century BC to the 3rd century AD, are audibly related to the sung music at the beginnings of the Western musical tradition as we know it, 9th-century Gregorian plainsong. The connection has never before been proven, and it changes musical history. A short film of the music was released in December 2017 and soon became a hit, going viral and reaching over 100,000 views in the first three months.

Now that we can reconstruct some of the sung versions of this poetry in musical form, we are bound to ask the question: how did ancient Greek music affect or interact with the texts of poetry?

Featured image credit: A 17th-century representation of the Greek muses Clio, Thalia and Euterpe playing a transverse flute, presumably the Greek photinx. Painting by Eustache Le Sueur. Domaine public via Wikimedia Commons.

Armand D'Angour is an Associate Professor of Classics at Oxford and a musician, having previously pursued careers as a cellist and in business. He was commissioned to compose Pindaric Odes in original Greek metre and dialect for the Olympic Games in Athens 2004 and London 2012. He is author of The Greeks and the New: Novelty in Ancient Greek Imagination and Experience (Cambridge University Press, 2011) and co-editor of Music, Text, and Context in Ancient Greece (Oxford, 2018).

Notre politique de confidentialité définit la manière dont Oxford University Press traite vos informations personnelles et vos droits de vous opposer à ce que vos informations personnelles soient utilisées à des fins de marketing ou traitées dans le cadre de nos activités commerciales.

Nous n'utiliserons vos informations personnelles que pour vous inscrire aux articles OUPblog.


Tuning up

But one shouldn't assume that the Greeks' idea of tuning was identical to ours. Ptolemy in the 2nd century AD provides precise mathematical ratios for numerous different scale-tunings, including one that he says sounds "foreign and homespun".

Dr David Creese of the University of Newcastle has constructed an eight-string "canon" (a zither-like instrument) with movable bridges.

When he plays two versions of the Seikilos tune using Ptolemy's tunings, the second immediately strikes us as exotic, more like Middle Eastern than Western music.

Image source, Copenhagen musuem

The epitaph of Seikilos is carved on stone. Pic: National Museum of Denmark

The earliest musical document that survives preserves a few bars of sung music from a play, Orestes by the fifth-century BC tragedian Euripides. It may even be music Euripides himself wrote.

Music of this period used subtle intervals such as quarter-tones. We also find that the melody doesn't conform to the word pitches at all.

Euripides was a notoriously avant-garde composer, and this indicates one of the ways in which his music was heard to be wildly modern: it violated the long-held norms of Greek folk singing by neglecting word-pitch.

However, we can recognise that Euripides adopted another principle. The words "I lament" and "I beseech" are set to a falling, mournful-sounding cadence and when the singer says "my heart leaps wildly", the melody leaps as well. This was ancient Greek soundtrack music.

And it was received with great excitement in the Greek world. The historian Plutarch tells a moving story about the thousands of Athenian soldiers held prisoner in roasting Syracusan quarries after a disastrous campaign in 413 BC. Those few who were able to sing Euripides' latest songs were able to earn some food and drink.

What about the greatest of ancient poet-singers, Homer himself?

Homer tells us that bards of his period sang to a four-stringed lyre, called a "phorminx". Those strings will probably have been tuned to the four notes that survived at the core of the later Greek scale systems.

Professor Martin West of Oxford has reconstructed the singing of Homer on that basis. The result is a fairly monotonous tune, which probably explains why the tradition of Homeric recitation without melody emerged from what was originally a sung composition.

"What song the Sirens sang," is the first of the questions listed by the 17th Century English writer, Sir Thomas Browne, as "puzzling, though not beyond all conjecture".

"The reconstruction of ancient Greek music is bringing us a step closer to answering the question."


Voir la vidéo: Ancient Greek Music. Spirit Of Aristotle (Mai 2022).